Libro de la semana

En nuestra edición de noviembre podrán leer una crítica sobre este libro. Por ahora diremos, sucintamente, que para el lector mexicano esta es la oportunidad de conocer varios de los relatos dispersos de Selva Almada (se incluyen textos publicados entre 2005 y 2014). Para quien conozca sus novelas (El viento que arrasa y Ladrilleros, ambas publicadas por Mardulce) le dará oportunidad de sumergirse una vez más en esa prosa del interior, en el universo de la provincia argentina, que tan bien ha delineado Almada (en compañía de autores como Hernán Ronsino). Esta colección de relatos puede leerse también como la contraparte ficticia de Chicas muertas, la crónica publicada por Random House Mondadori el año pasado.

 

 

 

 

 

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Libro de la semana

En nuestra edición de noviembre podrán leer una crítica sobre este libro. Por ahora diremos, sucintamente, que para el lector mexicano esta es la oportunidad de conocer varios de los relatos dispersos de Selva Almada (se incluyen textos publicados entre 2005 y 2014). Para quien conozca sus novelas (El viento que arrasa y Ladrilleros, ambas publicadas por Mardulce) le dará oportunidad de sumergirse una vez más en esa prosa del interior, en el universo de la provincia argentina, que tan bien ha delineado Almada (en compañía de autores como Hernán Ronsino). Esta colección de relatos puede leerse también como la contraparte ficticia de Chicas muertas, la crónica publicada por Random House Mondadori el año pasado.

 

 

 

 

 

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Kerry James Marshall en el Met

Desde el 25 de octubre y hasta el 29 de enero del siguiente año, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York exhibe en sus salas Mastry, «esta exposición monográfica es la mayor retrospectiva organizada por el museo sobre la obra del artista», incluye alrededor de 80 obras, 72 de las cuales son pinturas realizadas en 35 años de carrera artística. Su trabajo alude «a la tradición muralista y al cómic». además de buscar visibilizar otras formas de representación. Kerry James Marshall, nacido en Alabama en 1955, actualmente afincado en Chicago, creció en Los Ángeles donde los movimientos por los derechos civiles de los negros y la ideología del Black Power dejó una gran marca estética e ideológica en él, que ha manifestado en toda su obra, enfatizando y confrontando los estereotipos raciales de la sociedad contemporánea estadounidense en pinturas, esculturas y objetos en gran escala.

 

 

Sin título (Studio), 2014

 

 

Sin título (Painter). Met

 

 

School of Beauty, School of Culture. Met

 

 

 

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Kerry James Marshall en el Met

Desde el 25 de octubre y hasta el 29 de enero del siguiente año, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York exhibe en sus salas Mastry, «esta exposición monográfica es la mayor retrospectiva organizada por el museo sobre la obra del artista», incluye alrededor de 80 obras, 72 de las cuales son pinturas realizadas en 35 años de carrera artística. Su trabajo alude «a la tradición muralista y al cómic». además de buscar visibilizar otras formas de representación. Kerry James Marshall, nacido en Alabama en 1955, actualmente afincado en Chicago, creció en Los Ángeles donde los movimientos por los derechos civiles de los negros y la ideología del Black Power dejó una gran marca estética e ideológica en él, que ha manifestado en toda su obra, enfatizando y confrontando los estereotipos raciales de la sociedad contemporánea estadounidense en pinturas, esculturas y objetos en gran escala.

 

 

Sin título (Studio), 2014

 

 

Sin título (Painter). Met

 

 

School of Beauty, School of Culture. Met

 

 

 

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Premio Nacional de Cómic 2016

Pablo Alaudell (Alicante, 1972) fue reconocido con el Premio Nacional de Cómic 2016 por llevar al cómic los 10 mil versos de El paraíso perdido (1667), de John Milton. Como relató al diario El País, el proyecto fue idea de una pequeña editorial de poesía que le comisionó el trabajo pero tras el “naufragio” de ésta no pudo publicarse. Después, surgió la posibilidad de publicarse en línea, proyecto que tampoco pudo llegar a buen puerto. Fue publicado por la editorial Sexto Piso en 2015, a la que el ilustrador recurrió directamente. El trabajo del español fue reconocido por su «gran valor artístico, la fuerza visual, el uso original de la iconografía y la narrativa que consigue al mismo tiempo ser arquetípica y plenamente actua». Auladell también ha ilustrado La leyenda del Santo Bebedor (1939), de Joseph Roth, para el sello editorial Libros del Zorro Rojo, Las aventuras de Tom Sawyer (1876), de Mark Twain, así como La puerta de los pájaros (2014) de Gustavo Martín Garzo, publicado por Impedimenta.  

 

En el 2000 el trabajo de Auladell fue reconocido con el Premio Nacional de Cómic Injuve y con el Premio a las Mejores Ilustraciones de Libros Infantiles y Juveniles por Peiter, Peter, Peer, en 2005. El premio, otorgado por el Ministerio de Cultura de España, consta de un incentivo de 20 mil euros.

 

 

 

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Premio Nacional de Cómic 2016

Pablo Alaudell (Alicante, 1972) fue reconocido con el Premio Nacional de Cómic 2016 por llevar al cómic los 10 mil versos de El paraíso perdido (1667), de John Milton. Como relató al diario El País, el proyecto fue idea de una pequeña editorial de poesía que le comisionó el trabajo pero tras el “naufragio” de ésta no pudo publicarse. Después, surgió la posibilidad de publicarse en línea, proyecto que tampoco pudo llegar a buen puerto. Fue publicado por la editorial Sexto Piso en 2015, a la que el ilustrador recurrió directamente. El trabajo del español fue reconocido por su «gran valor artístico, la fuerza visual, el uso original de la iconografía y la narrativa que consigue al mismo tiempo ser arquetípica y plenamente actua». Auladell también ha ilustrado La leyenda del Santo Bebedor (1939), de Joseph Roth, para el sello editorial Libros del Zorro Rojo, Las aventuras de Tom Sawyer (1876), de Mark Twain, así como La puerta de los pájaros (2014) de Gustavo Martín Garzo, publicado por Impedimenta.  

 

En el 2000 el trabajo de Auladell fue reconocido con el Premio Nacional de Cómic Injuve y con el Premio a las Mejores Ilustraciones de Libros Infantiles y Juveniles por Peiter, Peter, Peer, en 2005. El premio, otorgado por el Ministerio de Cultura de España, consta de un incentivo de 20 mil euros.

 

 

 

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Daños al patrimonio cultural de Nursia

El 24 de agosto de este año un terremoto de 6.2 grados Richter dejaba 294 muertos e irreparables daños al patrimonio cultural de Amatrice, en la región de Umbría, en Italia. Ayer un nuevo movimiento sacudió el centro del país. El movimiento telúrico de 6.5 grados Richter originado entre Perugia y Macerata, dejó como saldo varios herido, como se puede leer en diferentes medios, y nuevas pérdidas del patrimonio arquitectónico: gran parte de la basílica de San Benito de Nursia se vino abajo junto a varias iglesias. En aquellos días, el sismólogo chileno Raúl Madariaga hablaba acerca de la ubicación del centro de Italia situada sobre «una serie de fallas muy activas y superficiales […] que se rompen regularmente y producen muchos sismos de magnitudes regulares», y que las estructuras de los monumentos arquitectónicos que datan de los siglos XIII al XVIII no están diseñadas para resistirlos. Tras el terremoto, de la basílica, que fue construida en el siglo XVI, sólo queda la fachada gótica, el pórtico y la torre se derrumbaron. Parte de la catedral renacentista de Santa María de Argéntea también se perdió.

 

 

 

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Daños al patrimonio cultural de Nursia

El 24 de agosto de este año un terremoto de 6.2 grados Richter dejaba 294 muertos e irreparables daños al patrimonio cultural de Amatrice, en la región de Umbría, en Italia. Ayer un nuevo movimiento sacudió el centro del país. El movimiento telúrico de 6.5 grados Richter originado entre Perugia y Macerata, dejó como saldo varios herido, como se puede leer en diferentes medios, y nuevas pérdidas del patrimonio arquitectónico: gran parte de la basílica de San Benito de Nursia se vino abajo junto a varias iglesias. En aquellos días, el sismólogo chileno Raúl Madariaga hablaba acerca de la ubicación del centro de Italia situada sobre «una serie de fallas muy activas y superficiales […] que se rompen regularmente y producen muchos sismos de magnitudes regulares», y que las estructuras de los monumentos arquitectónicos que datan de los siglos XIII al XVIII no están diseñadas para resistirlos. Tras el terremoto, de la basílica, que fue construida en el siglo XVI, sólo queda la fachada gótica, el pórtico y la torre se derrumbaron. Parte de la catedral renacentista de Santa María de Argéntea también se perdió.

 

 

 

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Exposición de la semana

Esta muestra forma parte de Fundidora S. A. Ciudad invisible, un proyecto de Lorena Estrada y Futuro Moncada que revisa el ideal desarrollista del capitalismo del México moderno, particularmente el vinculado con la industria metalúrgica regiomontana, y sus implicaciones en la memoria y la estética colectivas.

 

Un armado hecho con fotografías y videos, que difícilmente se puede inscribir en el campo del arte archivo o arte político, en Las cuatro acciones Estética Unisex emite una crítica con dejos de ironía.

 

El comunicado de prensa del Museo Carrillo Gil dice:

 

«Las cuatro acciones plantea una reflexión sobre las relaciones de poder entre la clase política, empresarial y obrera, que dieron vida a una de las empresas más importantes de México y Latinoamérica: Fundidora de Fierro y Acero Monterrey, S. A. (1900-1986). Mediante una investigación del archivo fotográfico de la empresa en la Fototeca Nuevo León, Lorena Estrada Quiroga y Futuro F. Moncada identificaron un conjunto de acciones que muestran códigos de comportamiento que escapan al control del discurso y revelan ideales de los protagonistas que aparecen en las imágenes.»

 

Permanece abierta hasta el 13 de noviembre.

 

 

 

 

 

 

 

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Exposición de la semana

Esta muestra forma parte de Fundidora S. A. Ciudad invisible, un proyecto de Lorena Estrada y Futuro Moncada que revisa el ideal desarrollista del capitalismo del México moderno, particularmente el vinculado con la industria metalúrgica regiomontana, y sus implicaciones en la memoria y la estética colectivas.

 

Un armado hecho con fotografías y videos, que difícilmente se puede inscribir en el campo del arte archivo o arte político, en Las cuatro acciones Estética Unisex emite una crítica con dejos de ironía.

 

El comunicado de prensa del Museo Carrillo Gil dice:

 

«Las cuatro acciones plantea una reflexión sobre las relaciones de poder entre la clase política, empresarial y obrera, que dieron vida a una de las empresas más importantes de México y Latinoamérica: Fundidora de Fierro y Acero Monterrey, S. A. (1900-1986). Mediante una investigación del archivo fotográfico de la empresa en la Fototeca Nuevo León, Lorena Estrada Quiroga y Futuro F. Moncada identificaron un conjunto de acciones que muestran códigos de comportamiento que escapan al control del discurso y revelan ideales de los protagonistas que aparecen en las imágenes.»

 

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Kati Horna, exposición

Told and Untold, la primera exhibición en solitario dedicada al trabajo de la fotógrafa mexicana nacida en Budapest, en Estados Unidos. Comprende las imágenes realizadas para revistas y periódicos además de álbumes personales y su trabajo en proyectos colaborativos. Kati Horna (Budapest, 1912-Ciudad de México, 2000) llegó a México en 1939 junto a su esposo, el artista José Horna. Trabaja en colaboración con la prensa ilustrada y en publicaciones como Nosotros, Arquitectura México y Mujeres: Expresión Femenina. Fue cercana al círculo intelectual y artístico del México de mediados del siglo XX, sobre todo a las pintoras Leonora Carrington y Remedios Varo. En 1960 produce un cuerpo de obra personalísimo y participa en el proyecto editorial de Salvador Elizondo y Juan García Ponce, S.NOB, con narraciones gráficas fantásticas sobre cuestiones de género, la fugacidad y el deseo. Parte de este trabajo se puede ver en Told and Untold: The Photo Stories of Kati Horna in the Illustrated Press que se podrá ver hasta el 17 de diciembre de este año en The Visual Arts Gallery de la Americas Society / Council of the Americas.  

 

Kati Horna, Historia de un vampiro: sucedió en Coyoacán, 1962. Colección privada. Ana María Norah Horna y Fernández

 

 

Kati Horna, El Iluminado, 1944. Colección privada. Ana María Norah Horna y Fernández

 

 

 

 

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Kati Horna, exposición

Told and Untold, la primera exhibición en solitario dedicada al trabajo de la fotógrafa mexicana nacida en Budapest, en Estados Unidos. Comprende las imágenes realizadas para revistas y periódicos además de álbumes personales y su trabajo en proyectos colaborativos. Kati Horna (Budapest, 1912-Ciudad de México, 2000) llegó a México en 1939 junto a su esposo, el artista José Horna. Trabaja en colaboración con la prensa ilustrada y en publicaciones como Nosotros, Arquitectura México y Mujeres: Expresión Femenina. Fue cercana al círculo intelectual y artístico del México de mediados del siglo XX, sobre todo a las pintoras Leonora Carrington y Remedios Varo. En 1960 produce un cuerpo de obra personalísimo y participa en el proyecto editorial de Salvador Elizondo y Juan García Ponce, S.NOB, con narraciones gráficas fantásticas sobre cuestiones de género, la fugacidad y el deseo. Parte de este trabajo se puede ver en Told and Untold: The Photo Stories of Kati Horna in the Illustrated Press que se podrá ver hasta el 17 de diciembre de este año en The Visual Arts Gallery de la Americas Society / Council of the Americas.  

 

Kati Horna, Historia de un vampiro: sucedió en Coyoacán, 1962. Colección privada. Ana María Norah Horna y Fernández

 

 

Kati Horna, El Iluminado, 1944. Colección privada. Ana María Norah Horna y Fernández

 

 

 

 

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Los hermanos Chapman en París

Jake (Cheltenham, 1966) y Dinos (Londres, 1962) Chapman han montado en la galería parisina Kamel Mennour, Back to the End of the Beginning of the End Again, una exhibición que toma como punto de partida un incendio ocurrido en un almacén en 2004, en East London, que consumió incontables obras de arte, entre ellas, Hell (1999-2000), pieza de los hermanos. La dupla británica toma aquél incidente para desarrollar una exhibición en la que vuelven a temas que los han obsesionado como la muerte y el nazismo. Esta es la primera exposición en 17 años de este par de artistas parte de la camada promovida por Charles Saatchi como Young British Artists a la que también pertenecen Tracey Amin (que también perdió una obra en el mismo incendio), Tacita Dean (que inaugura exposición en un par de días en el Museo Tamayo), Damien Hirst, Steve McQueen y Fiona Rae, por mencionar algunos.  

 

Back to the End of the Beginning of the End Again se exhibe desde el 14 de octubre y permanecerá en la galería hasta el 26 de noviembre.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Vistas de Back to the End of the Beginning of the End Again, 2016. © Kamel Mennour

 

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Los hermanos Chapman en París

Jake (Cheltenham, 1966) y Dinos (Londres, 1962) Chapman han montado en la galería parisina Kamel Mennour, Back to the End of the Beginning of the End Again, una exhibición que toma como punto de partida un incendio ocurrido en un almacén en 2004, en East London, que consumió incontables obras de arte, entre ellas, Hell (1999-2000), pieza de los hermanos. La dupla británica toma aquél incidente para desarrollar una exhibición en la que vuelven a temas que los han obsesionado como la muerte y el nazismo. Esta es la primera exposición en 17 años de este par de artistas parte de la camada promovida por Charles Saatchi como Young British Artists a la que también pertenecen Tracey Amin (que también perdió una obra en el mismo incendio), Tacita Dean (que inaugura exposición en un par de días en el Museo Tamayo), Damien Hirst, Steve McQueen y Fiona Rae, por mencionar algunos.  

 

Back to the End of the Beginning of the End Again se exhibe desde el 14 de octubre y permanecerá en la galería hasta el 26 de noviembre.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Vistas de Back to the End of the Beginning of the End Again, 2016. © Kamel Mennour

 

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Antología del Net Art

Net Art Anthology es una exhibición desarrollada en conjunto con el departamento de conservación digital Rhizome y tiene como objetivo «hacer frente a la escasez de perspectivas históricas en un campo en el que incluso las obras más prominentes son inaccesibles». La exhibición de dos años de duración construirá un arco temporal desde el inicio de la década de los ochentas al presente. Incluye cien trabajos que forman parte de la historia del Net Art. Cada semana, durante dos años, se abordará un proyecto.

 

 

Se busca identificar, presentar y conservar obras «ejemplares en un campo caracterizado por una amplia participación» y una constante mutación de las normas formales y estéticas. La exposición se divide en cinco capítulos, los primeros cuatro se desarrollan de manera cronológica cubriendo, el primero, el inicio de la cultura en línea hasta 1998; el siguiente va de 1999 a 2005; el tercero se enfoca en los primeros trabajos de arte post internet y las plataformas sociales cubriendo un periodo de tiempo que va de 2006 a 2011; el cuarto parte de 2012 para llegar al presente. El quinto y último capítulo, sin segmentaciones temporales, resolverá dudas surgidas durante todo el proyecto.

 

 

El primer trabajo que se presenta es el Cyberfeminist Manifesto For The 21ST Century (1991), de VNS MATRIX (Josephine Starrs Julianne Pierce, Francesca Da Rimini y Virginia Barratt), un proyecto que buscó dar testimonio de la posición política emergente del ciberfeminismo y que demostró la potencia de las “nuevas tecnologías” para descolocar las normas de una estructura patriarcal.

 

 

La selección de obras se realiza de manera continua y a través de la retroalimentación y está a cargo de Michael Connor y una red de asesores externos. Cualquier comentario o sugerencia puede ser enviado a curatorial@rhizome.org.

 

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Antología del Net Art

Net Art Anthology es una exhibición desarrollada en conjunto con el departamento de conservación digital Rhizome y tiene como objetivo «hacer frente a la escasez de perspectivas históricas en un campo en el que incluso las obras más prominentes son inaccesibles». La exhibición de dos años de duración construirá un arco temporal desde el inicio de la década de los ochentas al presente. Incluye cien trabajos que forman parte de la historia del Net Art. Cada semana, durante dos años, se abordará un proyecto.

 

 

Se busca identificar, presentar y conservar obras «ejemplares en un campo caracterizado por una amplia participación» y una constante mutación de las normas formales y estéticas. La exposición se divide en cinco capítulos, los primeros cuatro se desarrollan de manera cronológica cubriendo, el primero, el inicio de la cultura en línea hasta 1998; el siguiente va de 1999 a 2005; el tercero se enfoca en los primeros trabajos de arte post internet y las plataformas sociales cubriendo un periodo de tiempo que va de 2006 a 2011; el cuarto parte de 2012 para llegar al presente. El quinto y último capítulo, sin segmentaciones temporales, resolverá dudas surgidas durante todo el proyecto.

 

 

El primer trabajo que se presenta es el Cyberfeminist Manifesto For The 21ST Century (1991), de VNS MATRIX (Josephine Starrs Julianne Pierce, Francesca Da Rimini y Virginia Barratt), un proyecto que buscó dar testimonio de la posición política emergente del ciberfeminismo y que demostró la potencia de las “nuevas tecnologías” para descolocar las normas de una estructura patriarcal.

 

 

La selección de obras se realiza de manera continua y a través de la retroalimentación y está a cargo de Michael Connor y una red de asesores externos. Cualquier comentario o sugerencia puede ser enviado a curatorial@rhizome.org.

 

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El futuro es ahora

Tanto el cine como la literatura han imaginado futuros posibles para las sociedades, pero el diseño industrial se ha encargado de transformar en realidad una parte de esas ficciones. Los siguientes proyectos señalan nuevas direcciones de la disciplina: atrás quedaron los días del mobiliario, lo que hay son nuevas formas de vida. Este texto se publicó en La Tempestad 115, octubre de 2016.

 

 

 

Casa de hielo en Marte

SEArch / AO Clouds para la NASA

 

Este hábitat extraplanetario impreso en 3D está pensado para albergar a cuatro exploradores. El primer paso es instalar una impresora capaz de minar el piso marciano, específicamente la capa de hielo de veinte centímetros en la cuesta del volcán Alba Patera, para obtener agua y luego convertirla en vapor que se resolidificaría para componer las capas que construirían el iglú. Una solución al problema de las radiaciones solar y cósmica, que impiden la arquitectura marciana.

 

 

 

 

Antrum

Tatiana Plakhova, Eduard Haiman, Vadim Smarkhtin y Sergey Kasich para Life Zone

 

Ganador del Built Environment Award 2016, otorgado por Core77, este proyecto «usa la tecnología para diseñar hacia el futuro dejando menos huella humana». Antrum es una instalación gráfico-espacial interactiva proyectada en una membrana, que los usuarios o visitantes pueden presionar para convivir con «extrañas criaturas tridimensionales luminosas». Estas coloridas composiciones algorítmicas permiten crear ambientes interiores sin producir objetos.

 

 

 

 

 

The Lowline Lab

Raad Studio para Lowline

 

Un parque subterráneo en Manhattan, que alberga árboles y pasto apartado de la ciudad. El proyecto ocupa un mercado abandonado, donde se recrean las condiciones ambientales para el crecimiento futuro de más de setenta tipos de plantas. A pesar de estar bajo tierra, el Lowline recibe luz natural capturada por dispositivos ópticos fuera del complejo. El laboratorio es público y abrió como prototipo a finales de 2015. A mediano plazo se determinará qué tipo de plantas crecen mejor bajo la superficie.

 

 

 

 

 

(Im)possible Baby

Ai Hasegawa

 

Desde 2013, cuando varios países siguieron el ejemplo de Holanda en la legalización de la adopción por parejas del mismo sexo, la discusión jurídica y ética no ha cesado. Hasegawa, estudiante del MIT, llevó a cabo un proyecto que plantea la siguiente pregunta: ¿y si las parejas del mismo sexo pudieran concebir hijos propios? (Im)possible Baby procesa y analiza el ADN de las parejas para generar un álbum familiar especulativo –según los avances científicos–, no tan lejano de la realidad.

 

 

 

 

 

Cillia

Tangible para el MIT Media Lab

 

El vello es uno de los marcadores biológicos de la evolución o la adaptación de la mayoría de los mamíferos. Entre los humanos, además, ha adoptado cualidades estéticas. Cillia, desarrollado por Tangible en el MIT, es una estructura capilar impresa en 3D con propiedades mecánicas de adhesión, y es sensible al tacto. Este pelaje sintético puede programarse para ofrecer nuevas posibilidades de interacción, mucho más sensible, con objetos de la vida diaria.

 

 

 

 

 

BioLogic

Tangible para el MIT Media Lab

 

También pensadas por el grupo Tangible, las prendas de BioLogic actúan como una nueva interface textil o piel nueva, que responde al portador de manera biológica. Mediante células animadas, cosechadas en el laboratorio, las prendas de BioLogic reaccionan al calor y al sudor del cuerpo humano para enfriarlo. Esta segunda piel bioimpresa puede mejorar el rendimiento de nuestros cuerpos. El proyecto se desarrolló en colaboración con la marca New Balance.

 

 

 

 

 

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El futuro es ahora

Tanto el cine como la literatura han imaginado futuros posibles para las sociedades, pero el diseño industrial se ha encargado de transformar en realidad una parte de esas ficciones. Los siguientes proyectos señalan nuevas direcciones de la disciplina: atrás quedaron los días del mobiliario, lo que hay son nuevas formas de vida. Este texto se publicó en La Tempestad 115, octubre de 2016.

 

 

 

Casa de hielo en Marte

SEArch / AO Clouds para la NASA

 

Este hábitat extraplanetario impreso en 3D está pensado para albergar a cuatro exploradores. El primer paso es instalar una impresora capaz de minar el piso marciano, específicamente la capa de hielo de veinte centímetros en la cuesta del volcán Alba Patera, para obtener agua y luego convertirla en vapor que se resolidificaría para componer las capas que construirían el iglú. Una solución al problema de las radiaciones solar y cósmica, que impiden la arquitectura marciana.

 

 

 

 

Antrum

Tatiana Plakhova, Eduard Haiman, Vadim Smarkhtin y Sergey Kasich para Life Zone

 

Ganador del Built Environment Award 2016, otorgado por Core77, este proyecto «usa la tecnología para diseñar hacia el futuro dejando menos huella humana». Antrum es una instalación gráfico-espacial interactiva proyectada en una membrana, que los usuarios o visitantes pueden presionar para convivir con «extrañas criaturas tridimensionales luminosas». Estas coloridas composiciones algorítmicas permiten crear ambientes interiores sin producir objetos.

 

 

 

 

 

The Lowline Lab

Raad Studio para Lowline

 

Un parque subterráneo en Manhattan, que alberga árboles y pasto apartado de la ciudad. El proyecto ocupa un mercado abandonado, donde se recrean las condiciones ambientales para el crecimiento futuro de más de setenta tipos de plantas. A pesar de estar bajo tierra, el Lowline recibe luz natural capturada por dispositivos ópticos fuera del complejo. El laboratorio es público y abrió como prototipo a finales de 2015. A mediano plazo se determinará qué tipo de plantas crecen mejor bajo la superficie.

 

 

 

 

 

(Im)possible Baby

Ai Hasegawa

 

Desde 2013, cuando varios países siguieron el ejemplo de Holanda en la legalización de la adopción por parejas del mismo sexo, la discusión jurídica y ética no ha cesado. Hasegawa, estudiante del MIT, llevó a cabo un proyecto que plantea la siguiente pregunta: ¿y si las parejas del mismo sexo pudieran concebir hijos propios? (Im)possible Baby procesa y analiza el ADN de las parejas para generar un álbum familiar especulativo –según los avances científicos–, no tan lejano de la realidad.

 

 

 

 

 

Cillia

Tangible para el MIT Media Lab

 

El vello es uno de los marcadores biológicos de la evolución o la adaptación de la mayoría de los mamíferos. Entre los humanos, además, ha adoptado cualidades estéticas. Cillia, desarrollado por Tangible en el MIT, es una estructura capilar impresa en 3D con propiedades mecánicas de adhesión, y es sensible al tacto. Este pelaje sintético puede programarse para ofrecer nuevas posibilidades de interacción, mucho más sensible, con objetos de la vida diaria.

 

 

 

 

 

BioLogic

Tangible para el MIT Media Lab

 

También pensadas por el grupo Tangible, las prendas de BioLogic actúan como una nueva interface textil o piel nueva, que responde al portador de manera biológica. Mediante células animadas, cosechadas en el laboratorio, las prendas de BioLogic reaccionan al calor y al sudor del cuerpo humano para enfriarlo. Esta segunda piel bioimpresa puede mejorar el rendimiento de nuestros cuerpos. El proyecto se desarrolló en colaboración con la marca New Balance.

 

 

 

 

 

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Emoticones al MoMA

El set original de emoticones, 176 pictogramas creados por Shigetaka Kurita en 1999 para la compañía NTT DOCOMO, se suma a la colección permanente del MoMA, haciéndose así, de un lugar en la historia del diseño. Para el museo, como señaló Paola Antonelli, curadora en jefe del Departamento de Arquitectura y Diseño, al sitio Hyperallergic, es importante incluir aquellas obras de diseño que se involucran directamente en la vida diaria de la gente y se vuelven imprescindibles, «y, ciertamente, no podemos vivir sin emoticones».

 

Los 176 emoticones forman la base de los más de mil 800 que ahora se encuentran disponibles y que al parecer se han hecho igual de imprescindibles que las palabras. Cada uno de los pictogramas fue diseñado en una cuadrícula de 12 x 12 pixeles; se utilizaron sólo seis colores: negro, rojo, naranja, lila, verde brillante y azul real. Se tomó como base la tipografía Zapf Dingbats, diseñada por Hermann Zapf en 1978. Para Paul Galloway, a cargo de la Colección Especializada de Diseño y Arquitectura del MoMA, el valor del set diseñado por Kurita está en «su capacidad para alterar el comportamiento humano; la comunicación electrónica da forma  a nuestra voz». La nueva adquisición será presentada en una instalación a principios de diciembre.

 

 

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Emoticones al MoMA

El set original de emoticones, 176 pictogramas creados por Shigetaka Kurita en 1999 para la compañía NTT DOCOMO, se suma a la colección permanente del MoMA, haciéndose así, de un lugar en la historia del diseño. Para el museo, como señaló Paola Antonelli, curadora en jefe del Departamento de Arquitectura y Diseño, al sitio Hyperallergic, es importante incluir aquellas obras de diseño que se involucran directamente en la vida diaria de la gente y se vuelven imprescindibles, «y, ciertamente, no podemos vivir sin emoticones».

 

Los 176 emoticones forman la base de los más de mil 800 que ahora se encuentran disponibles y que al parecer se han hecho igual de imprescindibles que las palabras. Cada uno de los pictogramas fue diseñado en una cuadrícula de 12 x 12 pixeles; se utilizaron sólo seis colores: negro, rojo, naranja, lila, verde brillante y azul real. Se tomó como base la tipografía Zapf Dingbats, diseñada por Hermann Zapf en 1978. Para Paul Galloway, a cargo de la Colección Especializada de Diseño y Arquitectura del MoMA, el valor del set diseñado por Kurita está en «su capacidad para alterar el comportamiento humano; la comunicación electrónica da forma  a nuestra voz». La nueva adquisición será presentada en una instalación a principios de diciembre.

 

 

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El arte de Clara Peeters

Quince de las cuarenta obras que se le adjudican a la pintora flamenca Clara Peeters (Amberes, 1594-La Haya, 1657), «una de las pocas mujeres que pudo dedicarse de manera profesional a la pintura en Europa en la Edad Moderna», llegan al Museo del Prado en Madrid, España. La exposición que inició el 21 de este mes y culminará el 19 de febrero del siguiente año, busca, como puede leerse en la página del museo, «situar a la artista en el contexto cultural y artístico de Amberes y poniendo también el foco de atención en la situación de las mujeres artistas a principios de la Europa Moderna, cuando los prejuicios generalizados les cerraban muchos caminos». Considerada una de las pioneras en el bodegón en Países Bajos, la información que se conoce de la pintora es escasa, sobre todo la que tiene que ver con su vida personal, por un cuchillo que incluye en seis de sus obras y que se sabe se daba como regalo de matrimonio, se puede suponer que estuvo casada. Su obra, desarrollada en su mayoría en Amberes, es testimonio de las costumbres de la época y resultado de la prohibición hacia las mujeres de realizar estudios anatómicos en la pintura por lo que se especializaban en el bodegón.

 

En sus casi 200 años de existencia esta es la primera vez que el Museo del Prado dedica una exposición a una mujer. El arte de Clara Peeters fue curada por Alejandro Vergara, Jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo del Prado.

 

 

Bodegón con quesos, almendras y panecillos, 1612-1615

 

 

Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino  jarra de peltre, 1611

 

 

Mesa con mantel, salero, taza dorada, pastel, jarra, plato de porcelana con aceitunas y aves asadas, 1611

 

 

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El arte de Clara Peeters

Quince de las cuarenta obras que se le adjudican a la pintora flamenca Clara Peeters (Amberes, 1594-La Haya, 1657), «una de las pocas mujeres que pudo dedicarse de manera profesional a la pintura en Europa en la Edad Moderna», llegan al Museo del Prado en Madrid, España. La exposición que inició el 21 de este mes y culminará el 19 de febrero del siguiente año, busca, como puede leerse en la página del museo, «situar a la artista en el contexto cultural y artístico de Amberes y poniendo también el foco de atención en la situación de las mujeres artistas a principios de la Europa Moderna, cuando los prejuicios generalizados les cerraban muchos caminos». Considerada una de las pioneras en el bodegón en Países Bajos, la información que se conoce de la pintora es escasa, sobre todo la que tiene que ver con su vida personal, por un cuchillo que incluye en seis de sus obras y que se sabe se daba como regalo de matrimonio, se puede suponer que estuvo casada. Su obra, desarrollada en su mayoría en Amberes, es testimonio de las costumbres de la época y resultado de la prohibición hacia las mujeres de realizar estudios anatómicos en la pintura por lo que se especializaban en el bodegón.

 

En sus casi 200 años de existencia esta es la primera vez que el Museo del Prado dedica una exposición a una mujer. El arte de Clara Peeters fue curada por Alejandro Vergara, Jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo del Prado.

 

 

Bodegón con quesos, almendras y panecillos, 1612-1615

 

 

Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino  jarra de peltre, 1611

 

 

Mesa con mantel, salero, taza dorada, pastel, jarra, plato de porcelana con aceitunas y aves asadas, 1611

 

 

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