El 3 y 4 de octubre el Museo Universitario del Chopo presenta “Danzas climáticas”, la quinta entrega de la serieEndangered Human Movements(Movimientos Humanos en Peligro de Extinción), una investigación de la artista y coreógrafa mexico-chilena Amanda Piña sobre la pérdida de la diversidad cultural y biológica.
La nueva entrega de la artista está basada en el trabajo del antropólogo Alessandro Questa sobre dos danzas tradiciones de la Sierra Norte de Puebla (bailadas por masewales) en un contexto de cambio climático y de explotación minera en la región.
El objetivo de estas danzas es la visualización e intervención de las relaciones socio-ambientales a través de dispositivos sociales creativos que resaltan la interdependencia de todas las formas de vida que habitan la región.
Además de la obra coreográfica, también se presentarán conferencias, talleres, clases magistrales y publicaciones.
La entrada a las actividades, que ambos días iniciarán a las 8PM, tienen un costo de $100 y $50 pesos para estudiantes.
El 3 y 4 de octubre el Museo Universitario del Chopo presenta “Danzas climáticas”, la quinta entrega de la serieEndangered Human Movements(Movimientos Humanos en Peligro de Extinción), una investigación de la artista y coreógrafa mexico-chilena Amanda Piña sobre la pérdida de la diversidad cultural y biológica.
La nueva entrega de la artista está basada en el trabajo del antropólogo Alessandro Questa sobre dos danzas tradiciones de la Sierra Norte de Puebla (bailadas por masewales) en un contexto de cambio climático y de explotación minera en la región.
El objetivo de estas danzas es la visualización e intervención de las relaciones socio-ambientales a través de dispositivos sociales creativos que resaltan la interdependencia de todas las formas de vida que habitan la región.
Además de la obra coreográfica, también se presentarán conferencias, talleres, clases magistrales y publicaciones.
La entrada a las actividades, que ambos días iniciarán a las 8PM, tienen un costo de $100 y $50 pesos para estudiantes.
Apartir del 9 de octubre el Museo Numismático Nacional presentaráDicotomías del poder, muestra del despacho de arquitectura Dellekamp / Schleich. Al mostrarse en el marco del Abierto Mexicano de Diseño, la exposición invita a pensar la estratificación de la historia a través de la construcción de tres pirámides (la más grande de cerca de 7 metros de altura) cubiertas de casi 10 mil hojas de papel periódico. Así la define Derek Dellekamp, socio fundador de la firma, en entrevista conLa Tempestad: “es un ejercicio de representación que sobrepone realidades, imágenes y símbolos”.
El conjunto inmobiliario conocido como la Casa del Apartado (emplazado en la calle de Apartado no. 13 en el Centro Histórico de la Ciudad de México), alberga el Museo Numismático Nacional, espacio que fue parte de la Casa de Moneda de México. En este lugar,explicanRamón Rivera Espinosa y Jorge Ramón Gómez Pérez, se acuñaron monedas desde 1848 y hasta finales del siglo XIX.
“Arquitectónicamente es un espacio muy poderoso (sus bellos arcos son ejemplo del interés de nuestra oficina por la geometría y la representación), parece un set de cine, tiene múltiples capas históricas. Al fungir como un recinto donde se fundían las monedas, posee una carga simbólica particular. Construir pirámides en este sitio es revertir con un gesto simbólico lo que ocurrió durante la Conquista, época en la que los edificios se construyeron encima de las pirámides”, explica Dellekamp.
La instalación, que ocupará la sala de fundición del museo, invita al visitante a sumergirse en tres dimensiones de la representación del poder. La primera, real y representada por la sala de fundición, resume la larga tradición colonial extinta de la producción de monedas, la forma más usada de representar el poder económico de una nación. La segunda, simbólica y representada por las pirámides, refiere al símbolo de poder universal en diferentes culturas del mundo. La tercera, imaginada y representada por la técnica artesanal del engrudo con periódicos, plasma el último testigo análogo del poder en los tiempos modernos de la información.
“La materialidad de las pirámides aluden a las capas de las que está hecha la historia. Cuando te acercas a las piezas te das cuenta de que están hechas de periódicos recientes, igual que como se hacen las piñatas: si te acercas y ves la textura, casi puedes escuchar las noticias, lo que después se vuelve historia y luego se cubre de otro extracto, se sobrepone encima de otra cosa. Una piñata es un objeto muy potente desde el punto de vista arquitectónico, se trata de algo popular, de un truco que encierra una magia”, dice el arquitecto.
A la espera de la inauguración deDicotomías del poder, aquí, el proceso de creación de las pirámides.
Apartir del 9 de octubre el Museo Numismático Nacional presentaráDicotomías del poder, muestra del despacho de arquitectura Dellekamp / Schleich. Al mostrarse en el marco del Abierto Mexicano de Diseño, la exposición invita a pensar la estratificación de la historia a través de la construcción de tres pirámides (la más grande de cerca de 7 metros de altura) cubiertas de casi 10 mil hojas de papel periódico. Así la define Derek Dellekamp, socio fundador de la firma, en entrevista conLa Tempestad: “es un ejercicio de representación que sobrepone realidades, imágenes y símbolos”.
El conjunto inmobiliario conocido como la Casa del Apartado (emplazado en la calle de Apartado no. 13 en el Centro Histórico de la Ciudad de México), alberga el Museo Numismático Nacional, espacio que fue parte de la Casa de Moneda de México. En este lugar,explicanRamón Rivera Espinosa y Jorge Ramón Gómez Pérez, se acuñaron monedas desde 1848 y hasta finales del siglo XIX.
“Arquitectónicamente es un espacio muy poderoso (sus bellos arcos son ejemplo del interés de nuestra oficina por la geometría y la representación), parece un set de cine, tiene múltiples capas históricas. Al fungir como un recinto donde se fundían las monedas, posee una carga simbólica particular. Construir pirámides en este sitio es revertir con un gesto simbólico lo que ocurrió durante la Conquista, época en la que los edificios se construyeron encima de las pirámides”, explica Dellekamp.
La instalación, que ocupará la sala de fundición del museo, invita al visitante a sumergirse en tres dimensiones de la representación del poder. La primera, real y representada por la sala de fundición, resume la larga tradición colonial extinta de la producción de monedas, la forma más usada de representar el poder económico de una nación. La segunda, simbólica y representada por las pirámides, refiere al símbolo de poder universal en diferentes culturas del mundo. La tercera, imaginada y representada por la técnica artesanal del engrudo con periódicos, plasma el último testigo análogo del poder en los tiempos modernos de la información.
“La materialidad de las pirámides aluden a las capas de las que está hecha la historia. Cuando te acercas a las piezas te das cuenta de que están hechas de periódicos recientes, igual que como se hacen las piñatas: si te acercas y ves la textura, casi puedes escuchar las noticias, lo que después se vuelve historia y luego se cubre de otro extracto, se sobrepone encima de otra cosa. Una piñata es un objeto muy potente desde el punto de vista arquitectónico, se trata de algo popular, de un truco que encierra una magia”, dice el arquitecto.
A la espera de la inauguración deDicotomías del poder, aquí, el proceso de creación de las pirámides.
Del jueves 3 al sábado 5 de octubre se celebrará en la Ciudad de México la segunda edición de Smartfilms México, festival de cine hecho con celular que contará con proyecciones, charlas, debates y una clase maestra con Álex Pina y Javier Gómez Santander (creador y guionista, respectivamente, de la serieLa casa de papel).
SmartFilms cuenta 113 filmes seleccionados a través de su convocatoria divididos en cuatro categorías: “Profesional”, “Aficionado”, “Juvenil” y “Spot publicitario”. En el evento participará Wang Perro, un grupo de swing y jazz gitano.
El festival trabaja bajo la dinámica de democratizar la industria cinematográfica a partir del uso de las nuevas plataformas digitales de comunicación y difusión, y así permitir que todas las personas puedan hacer y ver el trabajo fílmico.
Para asistir a las actividades, sólo hay que inscribirse a través de la página web de Smartfilms.
Del jueves 3 al sábado 5 de octubre se celebrará en la Ciudad de México la segunda edición de Smartfilms México, festival de cine hecho con celular que contará con proyecciones, charlas, debates y una clase maestra con Álex Pina y Javier Gómez Santander (creador y guionista, respectivamente, de la serieLa casa de papel).
SmartFilms cuenta 113 filmes seleccionados a través de su convocatoria divididos en cuatro categorías: “Profesional”, “Aficionado”, “Juvenil” y “Spot publicitario”. En el evento participará Wang Perro, un grupo de swing y jazz gitano.
El festival trabaja bajo la dinámica de democratizar la industria cinematográfica a partir del uso de las nuevas plataformas digitales de comunicación y difusión, y así permitir que todas las personas puedan hacer y ver el trabajo fílmico.
Para asistir a las actividades, sólo hay que inscribirse a través de la página web de Smartfilms.
Un documental que refleja la inercia del Estado criminal mexicano que ha fomentado la perpetuación de ataques a la integración personal y familiar donde el principal motor de la inseguridad es la impunidad; la historias ilustran el panorama de un país donde ser mujer, estudiante, sacerdote, periodista, activista o simplemente estar en un lugar determinado en determinado momento puede implicar ser víctima de desaparición, asesinato o tortura.
El filme se puede ver en la Cineteca Nacional y otras salas de arte.
Obra escénica
Titus, de William Shakespeare
La tragediaTito Andrónico, catalogada como la pieza más sangrienta y violenta del dramaturgo inglés, se presenta en el Teatro Helénico. Asesinatos, violaciones y engaños son parte de esta historia, que sigue a Titus, un general romano que regresa victorioso de la guerra contra los godos.
Sábado, 18:00 y 20:30 horas; domingo, 18:00 horas
$200
Exposición
Beyond Borders
En el marco del foro BPRW, organizado por el estudio mexicano Primal, se encuentra esta exposición fotográfica desarrollada durante el primer semestre de 2019 donde artistas involucrados en la enseñanza de la fotografía radicados en Estados Unidos y México trabajaron a distancia compartiendo experiencias y reflexiones sobre los procesos de construcción.
Un documental que refleja la inercia del Estado criminal mexicano que ha fomentado la perpetuación de ataques a la integración personal y familiar donde el principal motor de la inseguridad es la impunidad; la historias ilustran el panorama de un país donde ser mujer, estudiante, sacerdote, periodista, activista o simplemente estar en un lugar determinado en determinado momento puede implicar ser víctima de desaparición, asesinato o tortura.
El filme se puede ver en la Cineteca Nacional y otras salas de arte.
Obra escénica
Titus, de William Shakespeare
La tragediaTito Andrónico, catalogada como la pieza más sangrienta y violenta del dramaturgo inglés, se presenta en el Teatro Helénico. Asesinatos, violaciones y engaños son parte de esta historia, que sigue a Titus, un general romano que regresa victorioso de la guerra contra los godos.
Sábado, 18:00 y 20:30 horas; domingo, 18:00 horas
$200
Exposición
Beyond Borders
En el marco del foro BPRW, organizado por el estudio mexicano Primal, se encuentra esta exposición fotográfica desarrollada durante el primer semestre de 2019 donde artistas involucrados en la enseñanza de la fotografía radicados en Estados Unidos y México trabajaron a distancia compartiendo experiencias y reflexiones sobre los procesos de construcción.
A partir de hoy el documental El informe Toledo (2009), de Albino Álvarez, regresa a las salas de Cinemex de 10 ciudades de la República Mexicana, entre las que se encuentran la Ciudad de México, Guadalajara, León, Mérida, Monterrey y Oaxaca.
Conducido a través de quince grabados realizados por Francisco Toledo (1940-2019) sobre el relato de Franz Kafka «Un informe para la academia», Álvarez entreteje una trama que retrata diferentes aspectos del artista oaxaqueño, por ejemplo sus luchas contra la corrupción, su opinión en contra de los intereses de empresas transnacionales, sus combates memoriales de rescate y preservación de la lengua indígena y de los mitos y las leyendas.
El informe Toledo, que en su día obtuvo una Mención Honorífica en el Festival de Cine de Morelia, en la categoría de “Mejor largometraje documental”, fue producido por la Filmoteca de la UNAM.
A partir de hoy el documental El informe Toledo (2009), de Albino Álvarez, regresa a las salas de Cinemex de 10 ciudades de la República Mexicana, entre las que se encuentran la Ciudad de México, Guadalajara, León, Mérida, Monterrey y Oaxaca.
Conducido a través de quince grabados realizados por Francisco Toledo (1940-2019) sobre el relato de Franz Kafka «Un informe para la academia», Álvarez entreteje una trama que retrata diferentes aspectos del artista oaxaqueño, por ejemplo sus luchas contra la corrupción, su opinión en contra de los intereses de empresas transnacionales, sus combates memoriales de rescate y preservación de la lengua indígena y de los mitos y leyendas.
El informe Toledo, que en su día obtuvo una Mención Honorífica en el Festival de Cine de Morelia, en la categoría de “Mejor largometraje documental”, fue producido por la Filmoteca de la UNAM.
Para celebrar el primer aniversario de la Sala:GAM, la Galería de Arte Mexicano presenta la exposiciónLuego, la forma, que reúne a Ramiro Chaves, Yeni Mao, Fabiola Menchelli y Alejandra Venegas.
¿Es distinto lo representado que la forma de lo representado? ¿La forma es una designación del espacio? ¿O acaso la forma no es más que la sugerencia de una designación en el espacio?
Los artistas abordan las perspectivas materiales, sensoriales y conceptuales el espacio del cuerpo humano como habitante de lo escultórico y la imposibilidad (o logro) de la forma bidimensional.
Para celebrar el primer aniversario de la Sala:GAM, la Galería de Arte Mexicano presenta la exposiciónLuego, la forma, que reúne a Ramiro Chaves, Yeni Mao, Fabiola Menchelli y Alejandra Venegas.
¿Es distinto lo representado que la forma de lo representado? ¿La forma es una designación del espacio? ¿O acaso la forma no es más que la sugerencia de una designación en el espacio?
Los artistas abordan las perspectivas materiales, sensoriales y conceptuales el espacio del cuerpo humano como habitante de lo escultórico y la imposibilidad (o logro) de la forma bidimensional.
Actualizamos esta nota con el nuevo tráiler de The Irishman, el esperado filme de Martin Scorsese, que se dio a conocer hace unas horas. La película, que se estrenará en Netflix, tiene una duración de 3 horas y 30 minutos.
Hoy el Lincoln Center anunció queThe Irishman, la nueva película de Martin Scorsese, abrirá la edición 57 del Festival de Cine de Nueva York, que se desarrollará del 27 de septiembre al 13 de octubre. El filme (que reúne a Robert de Niro, Al Pacino, Joe Pesci y Harvey Keitel) se podrá ver en salas selectas y en Netflix a finales de este año.
La nueva aventura de Scorsese –en la que el mexicano Rodrigo Prieto funge como cinefotógrafo– sigue a FrankThe IrishmanSheeran (De Niro), un asesino a sueldo de la mafia al que se le atribuyen más de 25 asesinatos relacionados con el hampa. A través de diversos flashbacks que se remontan treinta años atrás (motivo por el cual los actores fueron rejuvenecidos con efectos digitales), la película se centra en la desaparición de Jimmy Hoffa (Pacino), el poderoso jefe de un sindicato de camioneros.
The Irishman, que entre su extensa lista de productores cuenta con la participación del mexicano Gastón Pavlovich, es la sexta colaboración entre Scorsese y Keitel; sin embargo lo que tiene más emocionado a los cinéfilos es la reunión del director con De Niro, ya que su filme anterior fueCasino, en 1995;The Irishman(que también vuelve a juntar a De Niro con Joe Pesci) es su noveno proyecto con conjunto.
Kent Jones, director del Festival de Cine de Nueva York, ha generado más entusiasmo el declarar que se trata de un trabajo maestro.
Actualizamos esta nota con el nuevo tráiler de The Irishman, el esperado filme de Martin Scorsese, que se dio a conocer hace unas horas. La película, que se estrenará en Netflix, tiene una duración de 3 horas y 30 minutos.
Hoy el Lincoln Center anunció queThe Irishman, la nueva película de Martin Scorsese, abrirá la edición 57 del Festival de Cine de Nueva York, que se desarrollará del 27 de septiembre al 13 de octubre. El filme (que reúne a Robert de Niro, Al Pacino, Joe Pesci y Harvey Keitel) se podrá ver en salas selectas y en Netflix a finales de este año.
La nueva aventura de Scorsese –en la que el mexicano Rodrigo Prieto funge como cinefotógrafo– sigue a FrankThe IrishmanSheeran (De Niro), un asesino a sueldo de la mafia al que se le atribuyen más de 25 asesinatos relacionados con el hampa. A través de diversos flashbacks que se remontan treinta años atrás (motivo por el cual los actores fueron rejuvenecidos con efectos digitales), la película se centra en la desaparición de Jimmy Hoffa (Pacino), el poderoso jefe de un sindicato de camioneros.
The Irishman, que entre su extensa lista de productores cuenta con la participación del mexicano Gastón Pavlovich, es la sexta colaboración entre Scorsese y Keitel; sin embargo lo que tiene más emocionado a los cinéfilos es la reunión del director con De Niro, ya que su filme anterior fueCasino, en 1995;The Irishman(que también vuelve a juntar a De Niro con Joe Pesci) es su noveno proyecto con conjunto.
Kent Jones, director del Festival de Cine de Nueva York, ha generado más entusiasmo el declarar que se trata de un trabajo maestro.
La velocidad con la que se realizó y distribuyó el segundo largometraje escrito y dirigido por Ari Aster, Midsommar: el terror no espera a la noche (2019) ayuda a verla como una película simétrica a su entrega anterior, El legado del diablo (2018, Hereditary). Concebidas o no como una dupla, ambas trabajan sobre los mismos temas pero dedicándole atención a cada uno de distinta manera. Como apunté el año pasado, los primeros dos tercios de El legado… representaban ese horror cotidiano que se materializa en la tragedia; en contraste, Midsommar… sólo la desarrolla en un tercio (o menos, prácticamente un prólogo que detona la “anécdota” de la trama: un grupo de amigos viaja a una comuna suiza remota, para celebrar un rito especial que ocurre cada tantas décadas).
La cinta más reciente de Aster se dedica a explorar el territorio con el que cerró su cinta anterior: los ritos paganos (o satánicos) y el peligro que suponen para el estilo de vida occidental. Por lo mismo no es raro que se le compare con tanto ahínco a la influyente película de Robin Hardy, El hombre de mimbre (1973), que también antagonizaba los severos principios cristianos del investigador que protagoniza la historia, y las delirantes, supuestamente amables, convicciones de los pobladores de la ficticia comuna de la isla Summerisle. Como la cinta de Hardy, y distanciándose de la estrategia de Hereditary…, en Midsommar… Aster le da la espalda al horror sobrenatural, poniendo atención a ciertos malestares de nuestra época.
No sólo son los temas, hay elementos formales que hermanan a los dos largometrajes de Aster (cosa que, en rigor, ya apunta hacia la construcción de una obra de autor). Si en la primera abundaba el uso de miniaturas (con su linaje gótico) que robustecían la narrativa, en Midsommar… ese papel lo adoptan inquietantes imágenes que evocan grimorios medievales (la película se cuenta, crípticamente pero en su totalidad, en el grimorio que se presenta como una especie de telón de apertura). Y, volviendo a la simetría, si en Hereditary… la música del saxofonista Colin Stetson irrumpía en escena para puntear el horror, acá la de The Haxan Cloak se vuelve hipnótica, inmersiva, como un bálsamo peligroso que nos permite ver imágenes grotescas sin separar los ojos de la pantalla (como ocurre al final de la cinta).
¿Pero qué malestares de nuestra época se detectan en Midsommar…? A diferencia de El hombre de mimbre, acá no se desenmascara el “peligro” que la contracultura representaba para valores cristianos tradicionales o conservadores, sino la falsa empatía que puede generarse cuando se le pone demasiada atención a los afectos. Críptico, inquietante, violento y dirigido por un oráculo de dudosa confianza, el rito que se celebra durante nueve días en la comuna de Hårga busca exorcizar una gama de sentimientos, principalmente negativos (“representados” –en realidad, encarnados– en distintas personalidades). Así, cuando afloran los sentimientos, en lugar de procesarlos a través del habla, se les mimetiza desde el cuerpo. En repetidas ocasiones, los habitantes de la comuna imitan los gestos corporales –la respiración agitada, los gritos, los movimientos espasmódicos– de quienes realmente experimentan un sentimiento (terror, deseo sexual, desesperanza) adoptándolos, pero así lo hacen como una mera representación que en lugar de solucionar una situación violenta, la desactiva. En la sensibilidad del siglo XXI, ¿no funciona muchas veces así la indignación supuestamente compartida, el regodeo en las emociones y las pasiones tristes?
Tengo la impresión de que en la nueva cinta de Ari Aster se apunta hacia esta pregunta, como sugiere el hecho de que el grupo de amigos que visita la comuna sean antipáticos antropólogos que buscan adaptarse a la nueva situación (incluso cuando se ha tornado violenta). Sensibles a las “diferencias culturales”, las víctimas se comportan como animales de sacrificio que se dejan llevar –como rana en agua tibia, luego hirviente– por respeto al otro. En cierto momento, la protagonista de la cinta, Dani (Florence Pugh) se percata de una ¿costumbre, superstición? Cuando uno niño llora en los dormitorios compartidos de la comuna de Hårga, sus cuidadoras le colocan una tijera debajo de la almohada. Es un momento clave de la cinta: Dani decide sólo ver dicha costumbre con extrañeza, pero no dice nada. A pesar del riesgo de objeto punzcortante, todo sigue como si fuera normal. Y así, eventualmente, con todo tipo de horrores.
La velocidad con la que se realizó y distribuyó el segundo largometraje escrito y dirigido por Ari Aster, Midsommar: el terror no espera a la noche (2019) ayuda a verla como una película simétrica a su entrega anterior, El legado del diablo (2018, Hereditary). Concebidas o no como una dupla, ambas trabajan sobre los mismos temas pero dedicándole atención a cada uno de distinta manera. Como apunté el año pasado, los primeros dos tercios de El legado… representaban ese horror cotidiano que se materializa en la tragedia; en contraste, Midsommar… sólo la desarrolla en un tercio (o menos, prácticamente un prólogo que detona la “anécdota” de la trama: un grupo de amigos viaja a una comuna suiza remota, para celebrar un rito especial que ocurre cada tantas décadas).
La cinta más reciente de Aster se dedica a explorar el territorio con el que cerró su cinta anterior: los ritos paganos (o satánicos) y el peligro que suponen para el estilo de vida occidental. Por lo mismo no es raro que se le compare con tanto ahínco a la influyente película de Robin Hardy, El hombre de mimbre (1973), que también antagonizaba los severos principios cristianos del investigador que protagoniza la historia, y las delirantes, supuestamente amables, convicciones de los pobladores de la ficticia comuna de la isla Summerisle. Como la cinta de Hardy, y distanciándose de la estrategia de Hereditary…, en Midsommar… Aster le da la espalda al horror sobrenatural, poniendo atención a ciertos malestares de nuestra época.
No sólo son los temas, hay elementos formales que hermanan a los dos largometrajes de Aster (cosa que, en rigor, ya apunta hacia la construcción de una obra de autor). Si en la primera abundaba el uso de miniaturas (con su linaje gótico) que robustecían la narrativa, en Midsommar… ese papel lo adoptan inquietantes imágenes que evocan grimorios medievales (la película se cuenta, crípticamente pero en su totalidad, en el grimorio que se presenta como una especie de telón de apertura). Y, volviendo a la simetría, si en Hereditary… la música del saxofonista Colin Stetson irrumpía en escena para puntear el horror, acá la de The Haxan Cloak se vuelve hipnótica, inmersiva, como un bálsamo peligroso que nos permite ver imágenes grotescas sin separar los ojos de la pantalla (como ocurre al final de la cinta).
¿Pero qué malestares de nuestra época se detectan en Midsommar…? A diferencia de El hombre de mimbre, acá no se desenmascara el “peligro” que la contracultura representaba para valores cristianos tradicionales o conservadores, sino la falsa empatía que puede generarse cuando se le pone demasiada atención a los afectos. Críptico, inquietante, violento y dirigido por un oráculo de dudosa confianza, el rito que se celebra durante nueve días en la comuna de Hårga busca exorcizar una gama de sentimientos, principalmente negativos (“representados” –en realidad, encarnados– en distintas personalidades). Así, cuando afloran los sentimientos, en lugar de procesarlos a través del habla, se les mimetiza desde el cuerpo. En repetidas ocasiones, los habitantes de la comuna imitan los gestos corporales –la respiración agitada, los gritos, los movimientos espasmódicos– de quienes realmente experimentan un sentimiento (terror, deseo sexual, desesperanza) adoptándolos, pero así lo hacen como una mera representación que en lugar de solucionar una situación violenta, la desactiva. En la sensibilidad del siglo XXI, ¿no funciona muchas veces así la indignación supuestamente compartida, el regodeo en las emociones y las pasiones tristes?
Tengo la impresión de que en la nueva cinta de Ari Aster se apunta hacia esta pregunta, como sugiere el hecho de que el grupo de amigos que visita la comuna sean antipáticos antropólogos que buscan adaptarse a la nueva situación (incluso cuando se ha tornado violenta). Sensibles a las “diferencias culturales”, las víctimas se comportan como animales de sacrificio que se dejan llevar –como rana en agua tibia, luego hirviente– por respeto al otro. En cierto momento, la protagonista de la cinta, Dani (Florence Pugh) se percata de una ¿costumbre, superstición? Cuando uno niño llora en los dormitorios compartidos de la comuna de Hårga, sus cuidadoras le colocan una tijera debajo de la almohada. Es un momento clave de la cinta: Dani decide sólo ver dicha costumbre con extrañeza, pero no dice nada. A pesar del riesgo de objeto punzcortante, todo sigue como si fuera normal. Y así, eventualmente, con todo tipo de horrores.
En su edición 14, el foro BPRW tiene como sede el Museo Tamayo. El evento, que organiza el estudio de diseño mexicano Primal, se llevará a cabo a partir del 26 de septiembre en la sala educativa del museo, un espacio ideal para reflexionar y accionar el encuentro entre disciplinas desde un enfoque educativo y artístico. Esta ocasión el encuentro toma a la fotografía como medio para integrar un programa conformado por sesiones de aprendizaje (OTIUM) y charlas con destacados profesionales de la fotografía contemporánea. El evento, también, contempla la muestra fotográficaBeyond Borders, resultado de un intercambio (promovido por Primal) entre la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM y el Green Mountain Technology & Career Center en Vermont, Estados Unidos.
Concebido para promover el intercambio de proyectos de múltiples disciplinas para enriquecer el trabajo y generar redes de participación y conocimiento, BPRW presentará mañana a las 12:00 PM el conversatorio “Procesos de construcción de identidad personal y colectiva por medio de imágenes”, así como una visita guiada por la exposiciónBeyond Borders. Las obras que nutren la muestra se desarrollaron durante el primer semestre de 2019; artistas involucrados en la enseñanza de la fotografía radicados en Estados Unidos y México, trabajaron a distancia compartiendo experiencias y reflexiones sobre los procesos de construcción de identidad personal y colectiva por medio de imágenes y conversaciones, generando una vía para el entendimiento y la empatía por medio del arte.
El sábado 28, por otro lado, se realizará la sesión de aprendizaje “OTIUM. Fotografía en el mundo del skateboarding”; al día siguiente tendrá lugar un picnic con fotógrafos.Aquíse puede consultar la programación completa del evento, que se extenderá hasta el jueves 3 de octubre.
En su edición 14, el foro BPRW tiene como sede el Museo Tamayo. El evento, que organiza el estudio de diseño mexicano Primal, se llevará a cabo a partir del 26 de septiembre en la sala educativa del museo, un espacio ideal para reflexionar y accionar el encuentro entre disciplinas desde un enfoque educativo y artístico. Esta ocasión el encuentro toma a la fotografía como medio para integrar un programa conformado por sesiones de aprendizaje (OTIUM) y charlas con destacados profesionales de la fotografía contemporánea. El evento, también, contempla la muestra fotográficaBeyond Borders, resultado de un intercambio (promovido por Primal) entre la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM y el Green Mountain Technology & Career Center en Vermont, Estados Unidos.
Concebido para promover el intercambio de proyectos de múltiples disciplinas para enriquecer el trabajo y generar redes de participación y conocimiento, BPRW presentará mañana a las 12:00 PM el conversatorio “Procesos de construcción de identidad personal y colectiva por medio de imágenes”, así como una visita guiada por la exposiciónBeyond Borders. Las obras que nutren la muestra se desarrollaron durante el primer semestre de 2019; artistas involucrados en la enseñanza de la fotografía radicados en Estados Unidos y México, trabajaron a distancia compartiendo experiencias y reflexiones sobre los procesos de construcción de identidad personal y colectiva por medio de imágenes y conversaciones, generando una vía para el entendimiento y la empatía por medio del arte.
El sábado 28, por otro lado, se realizará la sesión de aprendizaje “OTIUM. Fotografía en el mundo del skateboarding”; al día siguiente tendrá lugar un picnic con fotógrafos.Aquíse puede consultar la programación completa del evento, que se extenderá hasta el jueves 3 de octubre.
A dos meses de realizarse, Mutek anunció la segunda ola de artistas confirmados para su edición 16, entre los que destacan Caterina Barbieri, Kelly Moran, King Midas Sound y Tim Hecker. Además de las confirmaciones, el festival puso a la venta boletos individuales para cada una de las actividades, así como el primer adelanto de su programación por día (que se puede consultar en su sitio web) y algunas de las locaciones que servirán de escenario al evento, por ejemplo el Museo Jumex y el Centro de Cultura Digital.
Mutek es un festival que busca cada año crear puentes entre la música y la tecnología, a través de estrenos de piezas y performances especiales, instalaciones, arte inmersivo, música electrónica arriesgada y la experimentación audiovisual.
La edición 16 de Mutek se realizará del 18 al 24 de noviembre en la Ciudad de México.
