Disco de la semana

Kate Tempest es un ave rara: poeta y escritora, ha sabido dar el salto a la música a través del rap. O, mejor dicho, a través de ese borde raro donde el rap es indistinguible del spoken-word. Acostumbrados, aunque cada vez menos, a escuchar rap con acento norteamericano, el acento británico de Tempest (nacida en Londres hace 30 años), le otorga a su obra un fuerte carácter histriónico. Parecido al que hace casi 15 años conocimos a través del trabajo de The Streets (y que terminara de imprimir una personalidad propia al rap británico, ya perfilado por gente como Roots Manuva o Tricky). Kate Tempest debutó en 2014 con Everybody Down, nominado al Mercury Prize y hace unas semanas publicó Let Them Eat Chaos, donde las imágenes políticas de sus letras encuentran interesantes cauces en bases sonoras de grime y dubstep. Una de las grandes sorpresas del año.  

 

 

 

 

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Disco de la semana

Kate Tempest es un ave rara: poeta y escritora, ha sabido dar el salto a la música a través del rap. O, mejor dicho, a través de ese borde raro donde el rap es indistinguible del spoken-word. Acostumbrados, aunque cada vez menos, a escuchar rap con acento norteamericano, el acento británico de Tempest (nacida en Londres hace 30 años), le otorga a su obra un fuerte carácter histriónico. Parecido al que hace casi 15 años conocimos a través del trabajo de The Streets (y que terminara de imprimir una personalidad propia al rap británico, ya perfilado por gente como Roots Manuva o Tricky). Kate Tempest debutó en 2014 con Everybody Down, nominado al Mercury Prize y hace unas semanas publicó Let Them Eat Chaos, donde las imágenes políticas de sus letras encuentran interesantes cauces en bases sonoras de grime y dubstep. Una de las grandes sorpresas del año.  

 

 

 

 

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Premio Cervantes 2016

El Ministerio de Cultura de España dio a conocer al escritor que este año es reconocido con el Premio Cervantes, el catalán Eduardo Mendoza (Barcelona, 1943). El premio, que se instauró en 1975, reconoce la trayectoria de escritores cuya obra ha contribuido a enriquecer el legado literario hispano.

 

El primer libro publicado del escritor cuya obra se caracteriza por el uso de un estilo narrativo sencillo y directo, fue La verdad sobre el caso Savolta, en 1975, al que le siguieron cuatro ensayos, dos obras de teatro, dos libros de relatos y quince novelas entre las que se encuentran El misterio de la cripta (1978, con la que dio inicio a la serie del detective anónimo que comprende cinco libros), La isla inaudita (1989), Una comedia ligera (1996), Riña de gatos. Madrid 1936 (2010, Premio Planeta), entre otros. Se destaca de su obra la «sutileza» y la «ironía», así como «su proyección internacional». En palabras de Pedro Álvarez Miranda, representante de la Real Academia Española, Mendoza es «un novelista puro».

 

Nicanor Parra, Fernando del Paso, Juan Goytisolo, Elena Poniatowska, Alejo Carpentier, Jorge Guillén y María Zambrano son algunos de los 42 escritores que han recibido el Premio que está dotado con 125 mil euros.

 

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Premio Cervantes 2016

El Ministerio de Cultura de España dio a conocer al escritor que este año es reconocido con el Premio Cervantes, el catalán Eduardo Mendoza (Barcelona, 1943). El premio, que se instauró en 1975, reconoce la trayectoria de escritores cuya obra ha contribuido a enriquecer el legado literario hispano.

 

El primer libro publicado del escritor cuya obra se caracteriza por el uso de un estilo narrativo sencillo y directo, fue La verdad sobre el caso Savolta, en 1975, al que le siguieron cuatro ensayos, dos obras de teatro, dos libros de relatos y quince novelas entre las que se encuentran El misterio de la cripta (1978, con la que dio inicio a la serie del detective anónimo que comprende cinco libros), La isla inaudita (1989), Una comedia ligera (1996), Riña de gatos. Madrid 1936 (2010, Premio Planeta), entre otros. Se destaca de su obra la «sutileza» y la «ironía», así como «su proyección internacional». En palabras de Pedro Álvarez Miranda, representante de la Real Academia Española, Mendoza es «un novelista puro».

 

Nicanor Parra, Fernando del Paso, Juan Goytisolo, Elena Poniatowska, Alejo Carpentier, Jorge Guillén y María Zambrano son algunos de los 42 escritores que han recibido el Premio que está dotado con 125 mil euros.

 

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Modernismo mexicano en Filadelfia

Los diferentes hilos de la historia del arte moderno en México son abordados en una exhibición organizada por el Museo de Arte de Filadelfia en colaboración con el Museo del Palacio de Bellas Artes. Paint the Revolution: Mexican Modernism, 1910-1950, que se exhibe desde el pasado 25 de octubre y concluye el próximo 8 de enero. La exposición, que constituye una de las mayores y más completas en setenta años sobre el tema, arroja luz sobre el trabajo de artistas y movimientos de la época más allá de los muralistas. Paint the Revolution exporta su nombre de un ensayo publicado por el novelista y periodista estadounidense John Dos Passos (Chicago, 1896-Maryland, 1970) publicado en la revista política New Masses en marzo de 1927, tras una visita a México de éste.

 

El modernismo mexicano, político y nacionalista, se aborda a partir de murales portátiles, cuadros de caballete, fotografías, estampas, libros y hojas de papel, además de la exhibición de pinturas murales en forma digital. Se integra el trabajo de José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera, además de Frida Kahlo y Rufino Tamayo, y las transfiguraciones de sus contemporáneos Dr. Atl, María Izquierdo, Roberto Montenegro, Carlos Mérida, Manuel Álvarez Bravo, Saturnino Herrán y Francisco Goitia, entre otros.

 

La muestra se despliega de manera cronológica en cinco apartados: Modernismo y mexicanidad, Pintar la Revolución, En la Ciudad, Pintar Estados Unidos y En tiempos de guerra.

 

 

 

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Modernismo mexicano en Filadelfia

Los diferentes hilos de la historia del arte moderno en México son abordados en una exhibición organizada por el Museo de Arte de Filadelfia en colaboración con el Museo del Palacio de Bellas Artes. Paint the Revolution: Mexican Modernism, 1910-1950, que se exhibe desde el pasado 25 de octubre y concluye el próximo 8 de enero. La exposición, que constituye una de las mayores y más completas en setenta años sobre el tema, arroja luz sobre el trabajo de artistas y movimientos de la época más allá de los muralistas. Paint the Revolution exporta su nombre de un ensayo publicado por el novelista y periodista estadounidense John Dos Passos (Chicago, 1896-Maryland, 1970) publicado en la revista política New Masses en marzo de 1927, tras una visita a México de éste.

 

El modernismo mexicano, político y nacionalista, se aborda a partir de murales portátiles, cuadros de caballete, fotografías, estampas, libros y hojas de papel, además de la exhibición de pinturas murales en forma digital. Se integra el trabajo de José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera, además de Frida Kahlo y Rufino Tamayo, y las transfiguraciones de sus contemporáneos Dr. Atl, María Izquierdo, Roberto Montenegro, Carlos Mérida, Manuel Álvarez Bravo, Saturnino Herrán y Francisco Goitia, entre otros.

 

La muestra se despliega de manera cronológica en cinco apartados: Modernismo y mexicanidad, Pintar la Revolución, En la Ciudad, Pintar Estados Unidos y En tiempos de guerra.

 

 

 

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Polémica por declaraciones de Schumacher

Del 16 al 18 de noviembre se llevó a cabo el World Architectural Festival en Arena Berlín, en Alemania. Durante el festival el actual director del despacho Zaha Hadid Architects, Patrik Schumacher, dio una conferencia en la que dio a conocer su teoría sobre cómo hacer frente a la crisis de vivienda en Londres. Ideas como la eliminación de toda forma de vivienda social y planificación social y la privatización de todo espacio público (destacando el potencial de Hyde Park), dieron forma a lo que se denominó «El manifiesto de política urbana de Patrik Schumacher». En la conferencia Schumacher también manifestó su preferencia porque los centros urbanos sean habitados por los ciudadanos «económicamente más potentes y productivos». En consecuencia, el despacho dio a conocer una carta que se separa de las declaraciones de su actual director, remarcando que «El manifiesto de política urbana de Patrik Schumacher» no refleja el pasado ni el futuro de la firma fundada por la arquitecta anglo-iraquí, que murió en marzo de este año. También se aclaró que la carta, que fue emitida con el conocimiento de la junta de la firma, de la Schumacher también es parte, no es un acto de rebeldía respecto al liderazgo del director y no pone en entredicho su permanencia.

 

En otras ocasiones las opiniones de Schumacher han sido cuestionadas. Se conoce su inclinación por la  economía neoliberal y su abierto apoyo al Brexit. Tras las declaraciones de Schumacher, el alcalde de Londres, Sadiq Khan, declaró que las ideas emitidas «carecían de tacto» y «eran erróneas».

 

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Polémica por declaraciones de Schumacher

Del 16 al 18 de noviembre se llevó a cabo el World Architectural Festival en Arena Berlín, en Alemania. Durante el festival el actual director del despacho Zaha Hadid Architects, Patrik Schumacher, dio una conferencia en la que dio a conocer su teoría sobre cómo hacer frente a la crisis de vivienda en Londres. Ideas como la eliminación de toda forma de vivienda social y planificación social y la privatización de todo espacio público (destacando el potencial de Hyde Park), dieron forma a lo que se denominó «El manifiesto de política urbana de Patrik Schumacher». En la conferencia Schumacher también manifestó su preferencia porque los centros urbanos sean habitados por los ciudadanos «económicamente más potentes y productivos». En consecuencia, el despacho dio a conocer una carta que se separa de las declaraciones de su actual director, remarcando que «El manifiesto de política urbana de Patrik Schumacher» no refleja el pasado ni el futuro de la firma fundada por la arquitecta anglo-iraquí, que murió en marzo de este año. También se aclaró que la carta, que fue emitida con el conocimiento de la junta de la firma, de la Schumacher también es parte, no es un acto de rebeldía respecto al liderazgo del director y no pone en entredicho su permanencia.

 

En otras ocasiones las opiniones de Schumacher han sido cuestionadas. Se conoce su inclinación por la  economía neoliberal y su abierto apoyo al Brexit. Tras las declaraciones de Schumacher, el alcalde de Londres, Sadiq Khan, declaró que las ideas emitidas «carecían de tacto» y «eran erróneas».

 

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Buscan rescatar técnica de tejido

En octubre de 2015 la curadora de diseño y arquitectura, Regina Pozo participó en Territorio Creativo Inédito, que se realizó en el Museo Tamayo como parte de Design Week México, con el proyecto txt.ure. Una iniciativa de diseño colaborativo que recupera técnicas artesanales para generar piezas de diseño pero que también tiene el objetivo de funcionar como texto, documento e historia: «reincorporar el pasado material en el espacio contemporáneo». Hace poco tiempo, Pozo lanzó una campaña de recaudación de fondos y venta de temporada para rescatar la técnica de tejido en tule que está al borde de la extinción, en la plataforma Kickstarter.

 

El proyecto que funciona desde hace tres años se constituyó como marca (txt.ure) hace apenas uno. Desde el inicio ha trabajado con la comunidad de tejedores de tule de San Pedro Tultepec, localidad en la que ya sólo dos familias conocen la técnica de tejido. La campaña tiene por objetivo construir el primer taller con esta técnica de tejido de la zona.

 

La meta es de 300 mil pesos de los cuales se han recaudado 100 mil. Aún quedan treinta días para alcanzarla. Los detalles de la campaña los puedes conocer aquí.

 

 

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Buscan rescatar técnica de tejido

En octubre de 2015 la curadora de diseño y arquitectura, Regina Pozo participó en Territorio Creativo Inédito, que se realizó en el Museo Tamayo como parte de Design Week México, con el proyecto txt.ure. Una iniciativa de diseño colaborativo que recupera técnicas artesanales para generar piezas de diseño pero que también tiene el objetivo de funcionar como texto, documento e historia: «reincorporar el pasado material en el espacio contemporáneo». Hace poco tiempo, Pozo lanzó una campaña de recaudación de fondos y venta de temporada para rescatar la técnica de tejido en tule que está al borde de la extinción, en la plataforma Kickstarter.

 

El proyecto que funciona desde hace tres años se constituyó como marca (txt.ure) hace apenas uno. Desde el inicio ha trabajado con la comunidad de tejedores de tule de San Pedro Tultepec, localidad en la que ya sólo dos familias conocen la técnica de tejido. La campaña tiene por objetivo construir el primer taller con esta técnica de tejido de la zona.

 

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Monero malayo acusado de sedición

Zulkiflee Anwar Ulhaque (Gurun, 1962), monero malayo conocido como Zunar, se encuentra bajo investigación debido a sus cartones que, según las autoridades del país, difamaron al primer ministro Najib Razak. Zunar fue informado del nuevo proceso al que se ve sometido después de una exhibición de arte en el Georges Town Literary Festival, en Malasia.

 

Este no es el primer proceso del que el dibujante es objeto. En noviembre de este año diferentes medios dieron a conocer que el caricaturista se enfrentaba a nueve cargos de sedición por haber criticado una sentencia dictada a un opositor del actual gobierno malayo. De acuerdo a una nota del diario El País, cinco tuits en los que critica el encarcelamiento, en 2015, del líder de la oposición Anwar Ibrahim por sodomía, lo sitúan frente a una sentencia de hasta 43 años de cárcel. Para Zunar, la sentencia de Ibrahim obedece más a intereses políticos: las elecciones de 2018.

 

En una entrevista con el New York Times, el monero señaló que las redes sociales se han convertido en una herramienta útil para que la gente manifieste su descontento, síntoma que se ha generalizado ante la reducción de la libertad de expresión de la que es objeto la población por parte del gobierno que, dicho en palabras de Zunar, interpreta estas manifestaciones como peligrosas. Malasia ocupa el lugar 146, de 180, en una escala respecto a la libertad de expresión de Reporteros sin Fronteras, según informa el diario El País. Al actual gobierno, parte de la coalición (hoy llamada Barisan Nasional) que se ha mantenido en el poder desde la independencia de Malasia en 1957, se le adjudican varios casos de corrupción y malversación de fondos.  

 

Zunar cuenta con quince libros publicados sobre sátira política, cinco de ellos prohibidos en el país. Frente a las leyes que cada vez más estrangulan la libertad de expresión y que amenazan su propia libertad, el caricaturista señaló que el peor enemigo de todos es la autocensura.«El talento no es un regalo, es una responsabilidad, y cumpliré con mi deber como dibujante en Malasia». No voy a pensar lo que el gobierno diga, ha señalado en diferentes entrevistas.

 

En la nota publicada en el New York Times,  Zunar señaló que pese a lo grave de su situación para él es importante «crear conciencia en todo el mundo sobre el estado de la libertad de expresión y los derechos humanos en Malasia. Voy a enfrentarlo».

 

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Monero malayo acusado de sedición

Zulkiflee Anwar Ulhaque (Gurun, 1962), monero malayo conocido como Zunar, se encuentra bajo investigación debido a sus cartones que, según las autoridades del país, difamaron al primer ministro Najib Razak. Zunar fue informado del nuevo proceso al que se ve sometido después de una exhibición de arte en el Georges Town Literary Festival, en Malasia.

 

Este no es el primer proceso del que el dibujante es objeto. En noviembre de este año diferentes medios dieron a conocer que el caricaturista se enfrentaba a nueve cargos de sedición por haber criticado una sentencia dictada a un opositor del actual gobierno malayo. De acuerdo a una nota del diario El País, cinco tuits en los que critica el encarcelamiento, en 2015, del líder de la oposición Anwar Ibrahim por sodomía, lo sitúan frente a una sentencia de hasta 43 años de cárcel. Para Zunar, la sentencia de Ibrahim obedece más a intereses políticos: las elecciones de 2018.

 

En una entrevista con el New York Times, el monero señaló que las redes sociales se han convertido en una herramienta útil para que la gente manifieste su descontento, síntoma que se ha generalizado ante la reducción de la libertad de expresión de la que es objeto la población por parte del gobierno que, dicho en palabras de Zunar, interpreta estas manifestaciones como peligrosas. Malasia ocupa el lugar 146, de 180, en una escala respecto a la libertad de expresión de Reporteros sin Fronteras, según informa el diario El País. Al actual gobierno, parte de la coalición (hoy llamada Barisan Nasional) que se ha mantenido en el poder desde la independencia de Malasia en 1957, se le adjudican varios casos de corrupción y malversación de fondos.  

 

Zunar cuenta con quince libros publicados sobre sátira política, cinco de ellos prohibidos en el país. Frente a las leyes que cada vez más estrangulan la libertad de expresión y que amenazan su propia libertad, el caricaturista señaló que el peor enemigo de todos es la autocensura.«El talento no es un regalo, es una responsabilidad, y cumpliré con mi deber como dibujante en Malasia». No voy a pensar lo que el gobierno diga, ha señalado en diferentes entrevistas.

 

En la nota publicada en el New York Times,  Zunar señaló que pese a lo grave de su situación para él es importante «crear conciencia en todo el mundo sobre el estado de la libertad de expresión y los derechos humanos en Malasia. Voy a enfrentarlo».

 

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“Stanley Kubrick”, retrospectiva

Más de mil objetos darán muestra, de manera cronológica, de la carrera de este icono del cine internacional del siglo XX en la retrospectiva Stanley Kubrick, que se exhibirá en La Galería de la Cineteca Nacional a partir del 1 de diciembre y hasta el último día del mes con ingresos en horarios específicos.

 

La exposición que ocupó las salas del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), es organizada por el Deutsches Filmmuseum Frankfurt am Main, Christiane Kubrick, Jan Harlan y The Stanley Kubrick Film Archive de la University of the Arts London, con el apoyo de Warner Bros. Entertainment Inc., Sony-Columbia Pictures Industries Inc., Metro-Goldwyn-Mayer Studios Inc., Universal Studios Inc. y SK Film Archives LLC.

 

De manera cronológica se exhibirán más de mil objetos entre sus primeras fotografías, indumentaria, guiones, cuadernos, borradores, correspondencia, documentos de investigación y de preproducción, y documentos que dan cuenta de la forma y los procesos bajo los cuales realizó sus filmes.

 

La entrada estará controlada a 150 boletos por hora. El recorrido tiene una duración aproximada de dos horas. El costo será de 45 pesos con descuento de estudiante y 65 pesos al público en general. La muestra permanecerá hasta el 31 de diciembre. Los horarios se pueden consultar aquí.

 

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“Stanley Kubrick”, retrospectiva

Más de mil objetos darán muestra, de manera cronológica, de la carrera de este icono del cine internacional del siglo XX en la retrospectiva Stanley Kubrick, que se exhibirá en La Galería de la Cineteca Nacional a partir del 1 de diciembre y hasta el último día del mes con ingresos en horarios específicos.

 

La exposición que ocupó las salas del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), es organizada por el Deutsches Filmmuseum Frankfurt am Main, Christiane Kubrick, Jan Harlan y The Stanley Kubrick Film Archive de la University of the Arts London, con el apoyo de Warner Bros. Entertainment Inc., Sony-Columbia Pictures Industries Inc., Metro-Goldwyn-Mayer Studios Inc., Universal Studios Inc. y SK Film Archives LLC.

 

De manera cronológica se exhibirán más de mil objetos entre sus primeras fotografías, indumentaria, guiones, cuadernos, borradores, correspondencia, documentos de investigación y de preproducción, y documentos que dan cuenta de la forma y los procesos bajo los cuales realizó sus filmes.

 

La entrada estará controlada a 150 boletos por hora. El recorrido tiene una duración aproximada de dos horas. El costo será de 45 pesos con descuento de estudiante y 65 pesos al público en general. La muestra permanecerá hasta el 31 de diciembre. Los horarios se pueden consultar aquí.

 

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Copian obra de Wendy Taylor en China

La pieza de la artista británica Wendy Taylor, Timepiece (1973) fue copiada y colocada en un desarrollo habitacional en China. De acuerdo a información del diario The Independent, la artista fue alertada por un aficionado al arte que se topó con la copia en un desarrollo de vivienda ubicado a orillas del río Huangpu en Shanghai.

 

Taylor ha declarado al diario que en otras ocasiones se ha topado con plagios, sin embargo señala que la escultura es «casi una copia exacta» de su trabajo y que «los detalles de la obra responden al contexto en el que fue creada», un homenaje a los Docklands de Londres, además de funcionar como un reloj gigante. La artista se ha puesto en contacto con la organización Dacs, que protege los derechos de los artistas, así como con el gobierno británico y con la oficina de cultura de China en Londres; sin embargo, ve poco posible se tomen cartas en el asunto.

 

Ésta no es la primera vez que se descubre el plagio de una obra de un artista británico en China. A la copia de la obra de Taylor le precede la aparición de una obra en Karamay que asemeja Cloud Gate, del indo-británico Anish Kapoor, cuya construcción inició en 2004 y se instaló en la plaza AT&T en Chicago, en 2006.  

 

 

Wendy Taylor, Timepiece, 1973

 

 

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Copian obra de Wendy Taylor en China

La pieza de la artista británica Wendy Taylor, Timepiece (1973) fue copiada y colocada en un desarrollo habitacional en China. De acuerdo a información del diario The Independent, la artista fue alertada por un aficionado al arte que se topó con la copia en un desarrollo de vivienda ubicado a orillas del río Huangpu en Shanghai.

 

Taylor ha declarado al diario que en otras ocasiones se ha topado con plagios, sin embargo señala que la escultura es «casi una copia exacta» de su trabajo y que «los detalles de la obra responden al contexto en el que fue creada», un homenaje a los Docklands de Londres, además de funcionar como un reloj gigante. La artista se ha puesto en contacto con la organización Dacs, que protege los derechos de los artistas, así como con el gobierno británico y con la oficina de cultura de China en Londres; sin embargo, ve poco posible se tomen cartas en el asunto.

 

Ésta no es la primera vez que se descubre el plagio de una obra de un artista británico en China. A la copia de la obra de Taylor le precede la aparición de una obra en Karamay que asemeja Cloud Gate, del indo-británico Anish Kapoor, cuya construcción inició en 2004 y se instaló en la plaza AT&T en Chicago, en 2006.  

 

 

Wendy Taylor, Timepiece, 1973

 

 

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Libro de la semana

Patas de perro

Carlos Droguett

 

A veinte años de su fallecimiento en Berna, Suiza, donde el chileno Carlos Droguett se exilió a raíz de la dictadura de Pinochet, la editorial barcelonesa Malpaso reedita su novela de 1965, Patas de perro. Se trata de una novela de ritmo feroz, de prosa musculosa, como explica Lina Meruane en el prólogo de esta edición: «Era toda una leyenda ese ritmo acezante, ese aliento desenfrenado que impulsaba el golpeteo de sus dedos sobre las teclas y que se traducía en una prosa jadeante. Es ese aire exasperado o desesperado el que se respira en las últimas horas de Eloy, el histórico bandolero prófugo de su celebrada novela homónima de 1960, así como en la crispada y alcoholizada voz del albañil sobre el andamio que protagoniza El compadre (1967). Y es sin duda este pulso el que domina el peregrinaje citadino de un escritor llamado Carlos, y del aperrado niño que decide adoptar, en Patas de perro, la más deslumbrante obra de Droguett…».

 

 

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Patas de perro

Carlos Droguett

 

A veinte años de su fallecimiento en Berna, Suiza, donde el chileno Carlos Droguett se exilió a raíz de la dictadura de Pinochet, la editorial barcelonesa Malpaso reedita su novela de 1965, Patas de perro. Se trata de una novela de ritmo feroz, de prosa musculosa, como explica Lina Meruane en el prólogo de esta edición: «Era toda una leyenda ese ritmo acezante, ese aliento desenfrenado que impulsaba el golpeteo de sus dedos sobre las teclas y que se traducía en una prosa jadeante. Es ese aire exasperado o desesperado el que se respira en las últimas horas de Eloy, el histórico bandolero prófugo de su celebrada novela homónima de 1960, así como en la crispada y alcoholizada voz del albañil sobre el andamio que protagoniza El compadre (1967). Y es sin duda este pulso el que domina el peregrinaje citadino de un escritor llamado Carlos, y del aperrado niño que decide adoptar, en Patas de perro, la más deslumbrante obra de Droguett…».

 

 

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¡El punk no es nostálgico!

Joe Corré, el hijo del “apóstol del punk”, Malcolm McLaren, quemó su colección de recuerdos punk valuada en más de seis millones de dólares. Al grito de ¡el punk no es nostálgico!, el también hijo de la diseñadora Vivienne Westwood (ambos referentes del movimiento en Reino Unido), se dirigió a prenderle fuego a discos, afiches y demás objetos del movimiento contracultural de los años setenta, a bordo de una embarcación en el río Támesis. Esto en protesta por las celebraciones que se tienen previstas debido al 40 aniversario del lanzamiento del disco Anarchy in the UK de Sex Pistols (6 de noviembre de 1976) que marcó el inicio del movimiento y de la que McLaren fue representante.

 

«La extinción. ¡Tu futuro!», se leía en una pancarta en la barca, mientras afiches y muñecos del primer ministro británico David Cameron; el secretario de finanzas, George Osborne; y el secretario de relaciones exteriores, Boris Johnson, ardían junto a los recuerdos de la época que marcó a generaciones. Tras su protesta Corré, de 48 años, declaró que el «punk se ha convertido en otra herramienta del mercado […] La ilusión de una opción alternativa. La conformidad vestida en otro uniforme».

 

La protesta que fue calificada como «zonza» por el bajista de la banda, Glen Matlock, fue apoyada por Westwood quien sentenció: «Este es el primer paso hacia un mundo libre. Es la cosa más importante que podrían hacer en sus vidas».

 

 

© AP

 

© Reuters 

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¡El punk no es nostálgico!

Joe Corré, el hijo del “apóstol del punk”, Malcolm McLaren, quemó su colección de recuerdos punk valuada en más de seis millones de dólares. Al grito de ¡el punk no es nostálgico!, el también hijo de la diseñadora Vivienne Westwood (ambos referentes del movimiento en Reino Unido), se dirigió a prenderle fuego a discos, afiches y demás objetos del movimiento contracultural de los años setenta, a bordo de una embarcación en el río Támesis. Esto en protesta por las celebraciones que se tienen previstas debido al 40 aniversario del lanzamiento del disco Anarchy in the UK de Sex Pistols (6 de noviembre de 1976) que marcó el inicio del movimiento y de la que McLaren fue representante.

 

«La extinción. ¡Tu futuro!», se leía en una pancarta en la barca, mientras afiches y muñecos del primer ministro británico David Cameron; el secretario de finanzas, George Osborne; y el secretario de relaciones exteriores, Boris Johnson, ardían junto a los recuerdos de la época que marcó a generaciones. Tras su protesta Corré, de 48 años, declaró que el «punk se ha convertido en otra herramienta del mercado […] La ilusión de una opción alternativa. La conformidad vestida en otro uniforme».

 

La protesta que fue calificada como «zonza» por el bajista de la banda, Glen Matlock, fue apoyada por Westwood quien sentenció: «Este es el primer paso hacia un mundo libre. Es la cosa más importante que podrían hacer en sus vidas».

 

 

© AP

 

© Reuters 

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Didi-Huberman: “Soulèvements”

La Jeu de Paume, exhibe hasta el 15 de enero de 2017, Soulèvements, exposición curada por el filósofo, historiador del arte y teórico de la imagen, Georges Didi-Huberman (Saint-Étienne, 1953), quien por medio de una serie de imágenes de diferentes siglos y geografías reflexionan acerca de la forma de representación de los disturbios como eventos políticos, movimientos sociales, revueltas, revoluciones, insubordinación y malestar social. Rebelión, revolución o revuelta, son las tres categorías que se cuelan en el eje temático de esta exhibición que se construye a través del trabajo de artistas, escritores y pensadores como: Harun Farocki, Francisco de Goya, Nietzsche, Roman Singer, Joseph Beuys, Víctor Hugo, Alan Sekula, Sergei Eisenstein, Alvaro Hoppe, Man Ray, Marcel Duchamp, entre otros.

 

En el texto introductorio de Didi-Huberman se explica la forma en que se organiza la exhibición: cinco categorías a través de las cuales se abordan diferentes aspectos de levantamiento, desde el cuerpo a los objetos y los discursos. En un momento álgido a nivel mundial (el Brexit, la elección de Trump, la muerte de Fidel Castro, la crisis migratoria, los atentados terroristas y más) Didi-Huberman escarba en la memoria histórica a través de diferentes voces y formatos que cierra con la frase:

 

«Cada vez que un muro se erige, siempre habrá personas que ‘se levanten’ para ‘brincar el muro’. Aunque sea imaginándolo. Como si inventar imágenes contribuyera un poco aquí, poderosamente allá a reinventar nuestras esperanzas políticas».

 

 

Chieh-Jen Chen, The Route (2006), fotograma. Cortesía de Galerie Lily Robert / © Chieh-Jen Chen

 

 

Art and Language, Shouting Men Detail, 1975. MACBA. Art and Language / Ángela Gallego

 

 

Francisco de Goya, Los Caprichos, 1799

 

 

 

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Didi-Huberman: “Soulèvements”

La Jeu de Paume, exhibe hasta el 15 de enero de 2017, Soulèvements, exposición curada por el filósofo, historiador del arte y teórico de la imagen, Georges Didi-Huberman (Saint-Étienne, 1953), quien por medio de una serie de imágenes de diferentes siglos y geografías reflexionan acerca de la forma de representación de los disturbios como eventos políticos, movimientos sociales, revueltas, revoluciones, insubordinación y malestar social. Rebelión, revolución o revuelta, son las tres categorías que se cuelan en el eje temático de esta exhibición que se construye a través del trabajo de artistas, escritores y pensadores como: Harun Farocki, Francisco de Goya, Nietzsche, Roman Singer, Joseph Beuys, Víctor Hugo, Alan Sekula, Sergei Eisenstein, Alvaro Hoppe, Man Ray, Marcel Duchamp, entre otros.

 

En el texto introductorio de Didi-Huberman se explica la forma en que se organiza la exhibición: cinco categorías a través de las cuales se abordan diferentes aspectos de levantamiento, desde el cuerpo a los objetos y los discursos. En un momento álgido a nivel mundial (el Brexit, la elección de Trump, la muerte de Fidel Castro, la crisis migratoria, los atentados terroristas y más) Didi-Huberman escarba en la memoria histórica a través de diferentes voces y formatos que cierra con la frase:

 

«Cada vez que un muro se erige, siempre habrá personas que ‘se levanten’ para ‘brincar el muro’. Aunque sea imaginándolo. Como si inventar imágenes contribuyera un poco aquí, poderosamente allá a reinventar nuestras esperanzas políticas».

 

 

Chieh-Jen Chen, The Route (2006), fotograma. Cortesía de Galerie Lily Robert / © Chieh-Jen Chen

 

 

Art and Language, Shouting Men Detail, 1975. MACBA. Art and Language / Ángela Gallego

 

 

Francisco de Goya, Los Caprichos, 1799

 

 

 

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Artista cubano detenido en La Habana

La noche del viernes el presidente de Cuba, Raúl Castro, anunció la muerte de Fidel Castro. Históricamente se cerró el siglo XX. Seguidores y detractores lamentaron y celebraron el deceso de quien fuera el comandante en jefe de la Revolución Cubana. El futuro del país caribeño es ahora incierto. Se especula sobre su apertura a las relaciones diplomáticas con EEUU y acerca de las medidas que sobre este acuerdo tomará el presidente electo Donald Trump, quien esta mañana amenazó con liquidar el acuerdo entre ambos países, orquestado por Barack Obama, si «Cuba no se muestra a ofrecer un mejor acuerdo para los cubanos, para los cubanoamericanos y para el pueblo estadounidense en general».

 

De cara al siglo XXI, la búsqueda de una Cuba que de cabida a todas las opiniones será lenta. Hoy, el portal Artnet News dio a conocer que la mañana del sábado 29 de noviembre, tras la muerte de Fidel Castro, el artista y disidente Danilo Maldonado Machado (Habana, 1983) fue detenido arbitrariamente en su departamento en el barrio de Arroyo Arenas. La novia del artista, conocido como “El Sexto”, dio aviso al portal de noticias de arte y al diario Miami New Times, al que el artista enviaba informes sobre la situación en La Habana tras la muerte de Castro. El artista describió la calma de las calles y el haber recorrido éstas al grito de ¡abajo Fidel, abajo Raúl! La mañana siguiente fue detenido y llevado una estación de policía de San Agustín y posteriormente trasladado a la prisión de Villa Marista.

 

Esta no es la primera vez que El Sexto es detenido por manifestarse abiertamente en contra del régimen castrista. En diciembre de 2014 fue detenido y llevado a la prisión de Villa Grande acusado de desacato al gobierno de Raúl Castro por realizar un performance en el Parque Central de la Habana que incluyó dos cerdos a los que pintó los nombres de Raúl y Fidel. Mientras permanecía en prisión fue reconocido con el Premio Internacional Václav Havel 2015 para la disidencia creativa, otorgado por la Human Rights Foundation, premio que compartió con el movimiento de resistencia no violento sudanés Girifna y con la humorista indonesia Sakdiyah.

 

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Artista cubano detenido en La Habana

La noche del viernes el presidente de Cuba, Raúl Castro, anunció la muerte de Fidel Castro. Históricamente se cerró el siglo XX. Seguidores y detractores lamentaron y celebraron el deceso de quien fuera el comandante en jefe de la Revolución Cubana. El futuro del país caribeño es ahora incierto. Se especula sobre su apertura a las relaciones diplomáticas con EEUU y acerca de las medidas que sobre este acuerdo tomará el presidente electo Donald Trump, quien esta mañana amenazó con liquidar el acuerdo entre ambos países, orquestado por Barack Obama, si «Cuba no se muestra a ofrecer un mejor acuerdo para los cubanos, para los cubanoamericanos y para el pueblo estadounidense en general».

 

De cara al siglo XXI, la búsqueda de una Cuba que de cabida a todas las opiniones será lenta. Hoy, el portal Artnet News dio a conocer que la mañana del sábado 29 de noviembre, tras la muerte de Fidel Castro, el artista y disidente Danilo Maldonado Machado (Habana, 1983) fue detenido arbitrariamente en su departamento en el barrio de Arroyo Arenas. La novia del artista, conocido como “El Sexto”, dio aviso al portal de noticias de arte y al diario Miami New Times, al que el artista enviaba informes sobre la situación en La Habana tras la muerte de Castro. El artista describió la calma de las calles y el haber recorrido éstas al grito de ¡abajo Fidel, abajo Raúl! La mañana siguiente fue detenido y llevado una estación de policía de San Agustín y posteriormente trasladado a la prisión de Villa Marista.

 

Esta no es la primera vez que El Sexto es detenido por manifestarse abiertamente en contra del régimen castrista. En diciembre de 2014 fue detenido y llevado a la prisión de Villa Grande acusado de desacato al gobierno de Raúl Castro por realizar un performance en el Parque Central de la Habana que incluyó dos cerdos a los que pintó los nombres de Raúl y Fidel. Mientras permanecía en prisión fue reconocido con el Premio Internacional Václav Havel 2015 para la disidencia creativa, otorgado por la Human Rights Foundation, premio que compartió con el movimiento de resistencia no violento sudanés Girifna y con la humorista indonesia Sakdiyah.

 

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Sobre la obra de Abraham Cruzvillegas

«No hay, en estos momentos, un artista mexicano con más presencia nacional e internacional comparable a la de Abraham Cruzvillegas […] El joven que asistía al Taller de los Viernes de Gabriel Orozco entre 1987 y 1991 es hoy uno de los nombres clave del arte contemporáneo», se leía en el texto dedicado al artista del año en nuestra edición 100 (enero-febrero de 2015). El momento no ha cambiado. En los últimos dos años el artista «se ha consolidado en todos los sentidos». Textos sobre la obra de Abraham Cruzvillegas, publicado por la Secretaría de Cultura, reúne una serie de ensayos, reseñas periodísticas, críticas y textos de catálogo publicadas desde 1990 al presente, por artistas como Eduardo Abaroa, Jimmie Durham, Gabriel Orozco y Luis Felipe Ortega; y curadores como Doryun Chong, David Miranda, Mark Godfrey y Ryan Inouye, entre otros.  

 

Editado por Jaime Soler Frost, el libro integra textos por primera vez publicados en español que permiten hacer un mapeo de la obra del mexicano. En 2013 pudo verse la primera muestra antológica en el Museo Jumex, Autoconstrucción. El mismo Cruzvillegas ha desarrollado una faceta como escritor abordando géneros como la crónica, el ensayo narrativo, la carta abierta, el manifiesto o la crítica –en 2014 editorial Sexto Piso publicó La voluntad de los objetos. Pero es esta la primera vez que se reúnen diferentes textos sobre su obra aparecidos en revistas y catálogos durante dos décadas.

 

El libro se presentará este sábado a las 12 horas en el salón Juan José Arreola en el marco de la FIL Guadalajara.

 

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Sobre la obra de Abraham Cruzvillegas

«No hay, en estos momentos, un artista mexicano con más presencia nacional e internacional comparable a la de Abraham Cruzvillegas […] El joven que asistía al Taller de los Viernes de Gabriel Orozco entre 1987 y 1991 es hoy uno de los nombres clave del arte contemporáneo», se leía en el texto dedicado al artista del año en nuestra edición 100 (enero-febrero de 2015). El momento no ha cambiado. En los últimos dos años el artista «se ha consolidado en todos los sentidos». Textos sobre la obra de Abraham Cruzvillegas, publicado por la Secretaría de Cultura, reúne una serie de ensayos, reseñas periodísticas, críticas y textos de catálogo publicadas desde 1990 al presente, por artistas como Eduardo Abaroa, Jimmie Durham, Gabriel Orozco y Luis Felipe Ortega; y curadores como Doryun Chong, David Miranda, Mark Godfrey y Ryan Inouye, entre otros.  

 

Editado por Jaime Soler Frost, el libro integra textos por primera vez publicados en español que permiten hacer un mapeo de la obra del mexicano. En 2013 pudo verse la primera muestra antológica en el Museo Jumex, Autoconstrucción. El mismo Cruzvillegas ha desarrollado una faceta como escritor abordando géneros como la crónica, el ensayo narrativo, la carta abierta, el manifiesto o la crítica –en 2014 editorial Sexto Piso publicó La voluntad de los objetos. Pero es esta la primera vez que se reúnen diferentes textos sobre su obra aparecidos en revistas y catálogos durante dos décadas.

 

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Kiefer en Londres

Inaugurada el 23 de noviembre en la White Cube, en Londres, la exposición del artista alemán Anselm Kiefer (1945), Walhalla muestra una interpretación del paraíso mitológico para los muertos en batalla de la mitología nórdica. Una mirada sombría cubierta, literalmente, con plomo. La entrada a la misma, se advierte, queda bajo la responsabilidad del espectador debido al potencial peligro del material utilizado.

 

La política, la historia y el paisaje son temas que han estado presentes en la obra del artista que aborda desde diferentes perspectivas y formatos. En Walhalla, la vida y la muerte, la creación y la destrucción son temas que se abordan a través de pinturas, esculturas y una instalación a gran escala, en total 17 obras en exhibición ocupando una sola sala de la galería.

 

Walhalla, que proviene de la palabra Valhöll, del noruego antiguo, y que significa “sala de los muertos”, Kiefer recrea un paisaje mítico e imaginativo de manera sombría. La palabra “ruina”, se cuela por todas las piezas, sobre todo en la instalación de gran formato donde se pueden ver una serie de camas plegables, oxidadas, cubiertas con hojas grises arrugadas y una capa de plomo. Ubicadas en un pasillo gris alumbrado por una mortecina luz blanca, tal vez el dormitorio de un hospital de campo de batalla. Las pinturas muestran paisajes desolados o referencias a la arquitectura neoclásica del monumento construido entre 1830 y 1842, diseñado por Leo von Klenze y construido en Baviera. Kiefer aborda la historia y el nacionalismo como una pesadilla.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Kiefer en Londres

Inaugurada el 23 de noviembre en la White Cube, en Londres, la exposición del artista alemán Anselm Kiefer (1945), Walhalla muestra una interpretación del paraíso mitológico para los muertos en batalla de la mitología nórdica. Una mirada sombría cubierta, literalmente, con plomo. La entrada a la misma, se advierte, queda bajo la responsabilidad del espectador debido al potencial peligro del material utilizado.

 

La política, la historia y el paisaje son temas que han estado presentes en la obra del artista que aborda desde diferentes perspectivas y formatos. En Walhalla, la vida y la muerte, la creación y la destrucción son temas que se abordan a través de pinturas, esculturas y una instalación a gran escala, en total 17 obras en exhibición ocupando una sola sala de la galería.

 

Walhalla, que proviene de la palabra Valhöll, del noruego antiguo, y que significa “sala de los muertos”, Kiefer recrea un paisaje mítico e imaginativo de manera sombría. La palabra “ruina”, se cuela por todas las piezas, sobre todo en la instalación de gran formato donde se pueden ver una serie de camas plegables, oxidadas, cubiertas con hojas grises arrugadas y una capa de plomo. Ubicadas en un pasillo gris alumbrado por una mortecina luz blanca, tal vez el dormitorio de un hospital de campo de batalla. Las pinturas muestran paisajes desolados o referencias a la arquitectura neoclásica del monumento construido entre 1830 y 1842, diseñado por Leo von Klenze y construido en Baviera. Kiefer aborda la historia y el nacionalismo como una pesadilla.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Gabi Ngcobo curará la Bienal de Berlín 2018

Se ha anunciado que la curadora y artista que vive y trabaja en Johannesburgo, Sudáfrica, Gabi Ngcobo estará a cargo de la curaduría de la décima edición de la Bienal de Berlín que se realizará durante el verano de 2018.

 

Co-curadora de la 32a Bienal de São Paulo, Ngcobo fue asistente curatorial en la South African National Gallery en Ciudad del Cabo y fue miembro fundador de la Visual Arts Network of South Africa (VANSA), una plataforma iniciada en 2003 que promueve e informa acerca de las artes visuales a nivel local e internacional. En 2010 fundó el Center for Historical Reenactments en Johannesburgo, una plataforma colaborativa que explora acerca del impacto en el arte contemporáneo del legado histórico de la entidad. Actualmente se desempeña como directora de este Centro.

 

Este año la curaduría de la Bienal estuvo a cargo del colectivo neoyorquino DIS, integrado por Lauren Boyle, Solomon Chase, Marco Roso y David Toro, quienes abordaron las paradojas del mundo globalizado y de la era post-digital. Buscaron «amplificar el momento presente para sentir esa paradoja del mundo visceral». Más que desenmascarar el presente, las decisiones curatoriales del colectivo se inclinaron hacia la búsqueda de «sus múltiples rostros y encarnaciones», un presente drag [transformista] como ellos mismos lo definieron en una entrevista publicada en La Tempestad 111. Su intervención se concentró en una profunda exploración de los códigos visuales contemporáneos.

 

Aún no se ha informado sobre la temática que abordará la edición de 2018, que celebrará también los primeros veinte años de su fundación en 1998.  

 

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Gabi Ngcobo curará la Bienal de Berlín 2018

Se ha anunciado que la curadora y artista que vive y trabaja en Johannesburgo, Sudáfrica, Gabi Ngcobo estará a cargo de la curaduría de la décima edición de la Bienal de Berlín que se realizará durante el verano de 2018.

 

Co-curadora de la 32a Bienal de São Paulo, Ngcobo fue asistente curatorial en la South African National Gallery en Ciudad del Cabo y fue miembro fundador de la Visual Arts Network of South Africa (VANSA), una plataforma iniciada en 2003 que promueve e informa acerca de las artes visuales a nivel local e internacional. En 2010 fundó el Center for Historical Reenactments en Johannesburgo, una plataforma colaborativa que explora acerca del impacto en el arte contemporáneo del legado histórico de la entidad. Actualmente se desempeña como directora de este Centro.

 

Este año la curaduría de la Bienal estuvo a cargo del colectivo neoyorquino DIS, integrado por Lauren Boyle, Solomon Chase, Marco Roso y David Toro, quienes abordaron las paradojas del mundo globalizado y de la era post-digital. Buscaron «amplificar el momento presente para sentir esa paradoja del mundo visceral». Más que desenmascarar el presente, las decisiones curatoriales del colectivo se inclinaron hacia la búsqueda de «sus múltiples rostros y encarnaciones», un presente drag [transformista] como ellos mismos lo definieron en una entrevista publicada en La Tempestad 111. Su intervención se concentró en una profunda exploración de los códigos visuales contemporáneos.

 

Aún no se ha informado sobre la temática que abordará la edición de 2018, que celebrará también los primeros veinte años de su fundación en 1998.  

 

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FIL Guadalajara 2016

Del 26 noviembre al 4 de diciembre se llevará a cabo la edición 30 de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara cuyo invitado de honor es América Latina. 

 

Realizado en el Centro de Exposiciones Expo Guadalajara, el festival cultural ofrece un programa extenso que va desde la entrega de premios como el Premio FIL de Literatura en Lenguas Romances que será entregado al escritor rumano Norman Manea; Mario Vargas Llosa será homenajeado por sus ochenta años de vida. La Feria contará, además, con la presencia de profesionales del mundo editorial y de la literatura como Roberto Calasso, Antonio Gamoneda, Ernesto Cardenal, María Negroni, Nélida Piñón, Luisa Valenzuela, Enrique Krauze, Pierre Chatillon, Jorge Fernández Granados, Rosa Montero, Héctor Aguilar Camín, Alonso Cueto, Fernando Iwasaki, Laura Restrepo, Leonardo Padura, Gioconda Belli, Arturo Pérez-Reverte, Santiago Roncagliolo, Manuel Rivas, Rita Indiana, Alejandro Zambra, Rodrigo Rey Rosa, María Fernanda Ampuero y Luiz Ruffato, sólo por mencionar algunos de los 650 autores provenientes de 44 países.  

 

Se realizarán diferentes mesas donde se reflexionará sobre la identidad y la actualidad de las letras en América Latina como: ¿Qué rayos es América Latina?, La revolución en las plumas, Cuando escribir duele, Todo menos rosa: narradoras de América Latina, La no tan nueva narrativa latinoamericana, Paisaje y literatura, Latinoamérica, ¿sale del clóset?, Abandonar la casa para escribir, Noche, crimen y mujeres hermosas y Más allá de los géneros literarios. Mesas en las que participarán autores como: Leonardo Padura, Nélida Piñón, Alonso Cueto, Alberto Barrera Tyszka, Enrique Jaramillo Levi, Sergio Ramírez, Julio Escoto, Héctor Abad Faciolince, María Negroni, Ana Paula Maia, María Fernanda Ampuero, Ariana Harwicz, Luisa Valenzuela, Rodrigo Rey Rosa, Gioconda Belli, Santiago Gamboa, Gabriela Cabezón, Ana Clavel, Horacio Castellanos Moya, Alejandro Zambra, Edmundo Paz Soldán, Santiago Roncagliolo, Andrés Neuman, Rafael Gumucio, Luis Miguel Rivas, Eduardo Sacheri, Giovanna Rivero y Carlos Wynter Melo, entre otros. Se incluye también el programa Ochenteros, que reúne a veinte escritores nacidos en la década de los ochenta.

 

Durante nueve días se realizarán presentaciones, foros, encuentros, un foro dedicado a la ciencia, diversas actividades académicas y para niños. Participarán dos mil editoriales provenientes de 44 países. El programa completo se puede consultar aquí.

 

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FIL Guadalajara 2016

Del 26 noviembre al 4 de diciembre se llevará a cabo la edición 30 de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara cuyo invitado de honor es América Latina. 

 

Realizado en el Centro de Exposiciones Expo Guadalajara, el festival cultural ofrece un programa extenso que va desde la entrega de premios como el Premio FIL de Literatura en Lenguas Romances que será entregado al escritor rumano Norman Manea; Mario Vargas Llosa será homenajeado por sus ochenta años de vida. La Feria contará, además, con la presencia de profesionales del mundo editorial y de la literatura como Roberto Calasso, Antonio Gamoneda, Ernesto Cardenal, María Negroni, Nélida Piñón, Luisa Valenzuela, Enrique Krauze, Pierre Chatillon, Jorge Fernández Granados, Rosa Montero, Héctor Aguilar Camín, Alonso Cueto, Fernando Iwasaki, Laura Restrepo, Leonardo Padura, Gioconda Belli, Arturo Pérez-Reverte, Santiago Roncagliolo, Manuel Rivas, Rita Indiana, Alejandro Zambra, Rodrigo Rey Rosa, María Fernanda Ampuero y Luiz Ruffato, sólo por mencionar algunos de los 650 autores provenientes de 44 países.  

 

Se realizarán diferentes mesas donde se reflexionará sobre la identidad y la actualidad de las letras en América Latina como: ¿Qué rayos es América Latina?, La revolución en las plumas, Cuando escribir duele, Todo menos rosa: narradoras de América Latina, La no tan nueva narrativa latinoamericana, Paisaje y literatura, Latinoamérica, ¿sale del clóset?, Abandonar la casa para escribir, Noche, crimen y mujeres hermosas y Más allá de los géneros literarios. Mesas en las que participarán autores como: Leonardo Padura, Nélida Piñón, Alonso Cueto, Alberto Barrera Tyszka, Enrique Jaramillo Levi, Sergio Ramírez, Julio Escoto, Héctor Abad Faciolince, María Negroni, Ana Paula Maia, María Fernanda Ampuero, Ariana Harwicz, Luisa Valenzuela, Rodrigo Rey Rosa, Gioconda Belli, Santiago Gamboa, Gabriela Cabezón, Ana Clavel, Horacio Castellanos Moya, Alejandro Zambra, Edmundo Paz Soldán, Santiago Roncagliolo, Andrés Neuman, Rafael Gumucio, Luis Miguel Rivas, Eduardo Sacheri, Giovanna Rivero y Carlos Wynter Melo, entre otros. Se incluye también el programa Ochenteros, que reúne a veinte escritores nacidos en la década de los ochenta.

 

Durante nueve días se realizarán presentaciones, foros, encuentros, un foro dedicado a la ciencia, diversas actividades académicas y para niños. Participarán dos mil editoriales provenientes de 44 países. El programa completo se puede consultar aquí.

 

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Un vistazo a “Empatía”

Desde el 22 de este mes se puede ver en el trasbordo de las líneas 8 y 2 del Metro Bellas Artes la intervención de la artista conceptual estadounidense Barbara Kruger (New Jersey, 1945), Empatía, instalación gráfica diseñada ex profeso para los muros del Metro de la Ciudad de México. La elección cromática de la artista se redujo al uso de verde, blanco y rojo, colores que identifican al país y al uso de consignas y preguntas que buscan que el usuario se cuestione sobre su papel como actor social y su identificación con su entorno. ¿De quién es la esperanza? ¿A dónde vas? ¿De quién el miedo? ¿Dónde has estado? ¿De quién los valores? ¿Qué quieres? ¿De quién la justicia? ¿Qué necesitas? Y la frase: «En la violencia olvidamos quienes somos».

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Un vistazo a “Empatía”

Desde el 22 de este mes se puede ver en el trasbordo de las líneas 8 y 2 del Metro Bellas Artes la intervención de la artista conceptual estadounidense Barbara Kruger (New Jersey, 1945), Empatía, instalación gráfica diseñada ex profeso para los muros del Metro de la Ciudad de México. La elección cromática de la artista se redujo al uso de verde, blanco y rojo, colores que identifican al país y al uso de consignas y preguntas que buscan que el usuario se cuestione sobre su papel como actor social y su identificación con su entorno. ¿De quién es la esperanza? ¿A dónde vas? ¿De quién el miedo? ¿Dónde has estado? ¿De quién los valores? ¿Qué quieres? ¿De quién la justicia? ¿Qué necesitas? Y la frase: «En la violencia olvidamos quienes somos».

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Cien años de la Bauhaus

Aperturas de museos en Weimar y Dessau, exposiciones conmemorativas, un festival de apertura en Berlín y un Gran Tour del Modernismo que incluirá la vista a cien destinos en Alemania, se tienen previstos para celebrar el primer centenario de la fundación de la escuela iniciada en 1919 por Walter Gropius que sentó las bases del diseño industrial y gráfico, modificó perspectivas en la práctica de la arquitectura e introdujo el diseño en todos los ámbitos de la vida cotidiana.

 

El Bauhaus Museum Weimar, diseñado por el arquitecto nacido en Berlín, Heike Hanada, echará mano de un presupuesto de 22.6 millones de euros. El diseño se ha proyectado como un monumental cubo de cristal asentado en un pedestal de concreto. Se ubicará en el Weimarhallen Park. El Dessau Bauhaus Museum exhibirá, en una superficie de 3 mil 500 metros cuadrados, la colección de la Bauhaus Dessau Foundation. El diseño, a cargo de la firma barcelonesa González Hinz Zabala, con un presupuesto de ejecución de 25 millones de euros, tendrá la capacidad para albergar 40 mil obras en una estructura metálica con forma de puente cuyo espacio inferior será destinado a exposiciones temporales y otros eventos. Ambos serán inaugurados en 2019. En 2021 se inaugurará la extensión del Bauhaus Archive, cuya ampliación consiste en una torre de cristal de cinco pisos.

 

El festival que tendrá lugar los primeros meses del 2019 presentará diferentes propuestas de artistas del performance, de teatro y de música, todas inspiradas en la Bauhaus. Entre los invitados están László Moholy-Nagy, Lyonel Feininger y Oskar Schlemmer.

 

Se busca que el Grand Tour of Modernism que recorrerá cien locaciones alemanas de gran relevancia en la historia de la escuela de Gropius, sea un precursor del recorrido europeo Route of Modernism que se planea inicie en 2020. Para el recorrido de 2019 se editará un libro y se desarrollará una aplicación.

 

Dessau Bauhaus Museum.  © González Hinz Zabala

 

 

 

 

 

 

 

Weimar Bauhaus Museum. Cortesía de Heike Hanada y Benedict Tono

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Cien años de la Bauhaus

Aperturas de museos en Weimar y Dessau, exposiciones conmemorativas, un festival de apertura en Berlín y un Gran Tour del Modernismo que incluirá la vista a cien destinos en Alemania, se tienen previstos para celebrar el primer centenario de la fundación de la escuela iniciada en 1919 por Walter Gropius que sentó las bases del diseño industrial y gráfico, modificó perspectivas en la práctica de la arquitectura e introdujo el diseño en todos los ámbitos de la vida cotidiana.

 

El Bauhaus Museum Weimar, diseñado por el arquitecto nacido en Berlín, Heike Hanada, echará mano de un presupuesto de 22.6 millones de euros. El diseño se ha proyectado como un monumental cubo de cristal asentado en un pedestal de concreto. Se ubicará en el Weimarhallen Park. El Dessau Bauhaus Museum exhibirá, en una superficie de 3 mil 500 metros cuadrados, la colección de la Bauhaus Dessau Foundation. El diseño, a cargo de la firma barcelonesa González Hinz Zabala, con un presupuesto de ejecución de 25 millones de euros, tendrá la capacidad para albergar 40 mil obras en una estructura metálica con forma de puente cuyo espacio inferior será destinado a exposiciones temporales y otros eventos. Ambos serán inaugurados en 2019. En 2021 se inaugurará la extensión del Bauhaus Archive, cuya ampliación consiste en una torre de cristal de cinco pisos.

 

El festival que tendrá lugar los primeros meses del 2019 presentará diferentes propuestas de artistas del performance, de teatro y de música, todas inspiradas en la Bauhaus. Entre los invitados están László Moholy-Nagy, Lyonel Feininger y Oskar Schlemmer.

 

Se busca que el Grand Tour of Modernism que recorrerá cien locaciones alemanas de gran relevancia en la historia de la escuela de Gropius, sea un precursor del recorrido europeo Route of Modernism que se planea inicie en 2020. Para el recorrido de 2019 se editará un libro y se desarrollará una aplicación.

 

Dessau Bauhaus Museum.  © González Hinz Zabala

 

 

 

 

 

 

 

Weimar Bauhaus Museum. Cortesía de Heike Hanada y Benedict Tono

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Inauguran museo dedicado a Hokusai

El 22 de noviembre fue inaugurado, en Sumida, Tokio, el Sumida Hokusai Museum, dedicado por completo a la obra del maestro del estilo Ukiyo-e, el artista japonés Katsushika Hokusai. El museo, diseñado por Kazuyo Sejima, exhibirá obras como La gran Ola de Kanagawa (1829-1832), parte de la serie “Treinta y seis vistas del monte Fuji”, que dieron al artista fama internacional, además de contar con exhibiciones temporales. Se exhibirá también la pieza recientemente recuperada, Sumidagawa Ryogan Keshiki Zukan (Vista de ambas orillas del río Sumida), un pergamino de más de seis metros de longitud que permaneció desaparecido después de una subasta en 1902. Fue comprado recientemente por 150 millones de yenes, alrededor de 1.25 millones de dólares. El grabado apareció en 2008 en una casa de subastas en Reino Unido, en ese entonces fue comprado por un coleccionista japonés mismo que lo vendió al museo.

 

El diseño de la arquitecta Kazuyo Sejima de despliega en cinco plantas sobre una superficie de más de 3 mil metros cuadrados y alberga 120 obras.

 

 

La gran Ola de Kanagawa (1829-1832)

 

 

Sumidagawa Ryogan Keshiki Zukan (Vista de ambas orillas del río Sumida)

 

 

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Inauguran museo dedicado a Hokusai

El 22 de noviembre fue inaugurado, en Sumida, Tokio, el Sumida Hokusai Museum, dedicado por completo a la obra del maestro del estilo Ukiyo-e, el artista japonés Katsushika Hokusai. El museo, diseñado por Kazuyo Sejima, exhibirá obras como La gran Ola de Kanagawa (1829-1832), parte de la serie “Treinta y seis vistas del monte Fuji”, que dieron al artista fama internacional, además de contar con exhibiciones temporales. Se exhibirá también la pieza recientemente recuperada, Sumidagawa Ryogan Keshiki Zukan (Vista de ambas orillas del río Sumida), un pergamino de más de seis metros de longitud que permaneció desaparecido después de una subasta en 1902. Fue comprado recientemente por 150 millones de yenes, alrededor de 1.25 millones de dólares. El grabado apareció en 2008 en una casa de subastas en Reino Unido, en ese entonces fue comprado por un coleccionista japonés mismo que lo vendió al museo.

 

El diseño de la arquitecta Kazuyo Sejima de despliega en cinco plantas sobre una superficie de más de 3 mil metros cuadrados y alberga 120 obras.

 

 

La gran Ola de Kanagawa (1829-1832)

 

 

Sumidagawa Ryogan Keshiki Zukan (Vista de ambas orillas del río Sumida)

 

 

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