Nuevo sencillo de Rita Indiana

El día de ayer Rita Indiana presentó El Castigador, su canción más reciente, acompañada del lanzamiento del videoclip. La propuesta musical de Indiana mezcla la música popular del siglo XX con los ritmos mágico-religiosos de toda la América Negra. El Castigador denuncia los abusos de los poderosos y la corrupción síntomas de nuestro siglo. Indiana es escritora, compositora y cantante, nació en Santo Domingo en 1977; estudió historia del arte y bellas artes para después dedicarse a la literatura y su proyecto musical Rita Indiana y Los Misterios. Cuenta con cuatro novelas publicadas: La estrategia chochueca, Papi, Nombres animales y La mucama de Omicunlé. Tanto su música como sus novelas hablan sobre temas de índole social, explorando y deconstruyendo ideas sobre la identidad caribeña contemporánea. En 2011, el periódico El País la incluyó en su lista de las cien personalidades latinas más influyentes. El Castigador está disponible de manera gratuita para su descarga en el sitio web de la disquera Gallo Negro.

 

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Nuevo sencillo de Rita Indiana

El día de ayer Rita Indiana presentó El Castigador, su canción más reciente, acompañada del lanzamiento del videoclip. La propuesta musical de Indiana mezcla la música popular del siglo XX con los ritmos mágico-religiosos de toda la América Negra. El Castigador denuncia los abusos de los poderosos y la corrupción síntomas de nuestro siglo. Indiana es escritora, compositora y cantante, nació en Santo Domingo en 1977; estudió historia del arte y bellas artes para después dedicarse a la literatura y su proyecto musical Rita Indiana y Los Misterios. Cuenta con cuatro novelas publicadas: La estrategia chochueca, Papi, Nombres animales y La mucama de Omicunlé. Tanto su música como sus novelas hablan sobre temas de índole social, explorando y deconstruyendo ideas sobre la identidad caribeña contemporánea. En 2011, el periódico El País la incluyó en su lista de las cien personalidades latinas más influyentes. El Castigador está disponible de manera gratuita para su descarga en el sitio web de la disquera Gallo Negro.

 

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De Keersmaeker en el MoMA

¿Puede una coreografía ser presentada como una exhibición? Anne Teresa De Keersmaeker presentará una nueva versión de su performance Vortex Temporum en el MoMA para responder esa pregunta. La obra de 2013 fue creada en torno al trabajo del compositor francés Gérard Grisey. Esta no es la primera vez que De Keersmaeker lleva sus proyectos coreográficos a un museo. Ya en 2011 había presentado, también en el museo neoyorquino, una parte de Fase: Four Movements to the Music of Steve Reich de 1982. Sin embargo con Work/Travail/Arbeid la artista imagina la coreografía exclusivamente como una exhibición. La exhibición cuenta con una duración de cinco días. La pieza original, de una hora de duración, ha sido expandida a un ciclo de nueve horas continuas. Cada hora se ofrece al público una nueva coreografía con una combinación de siete artistas diferentes. Anne Teresa De Keersmaeker: Work/Travail/Arbeid continúa en exhibición hasta el 2 de abril.

 

 

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De Keersmaeker en el MoMA

¿Puede una coreografía ser presentada como una exhibición? Anne Teresa De Keersmaeker presentará una nueva versión de su performance Vortex Temporum en el MoMA para responder esa pregunta. La obra de 2013 fue creada en torno al trabajo del compositor francés Gérard Grisey. Esta no es la primera vez que De Keersmaeker lleva sus proyectos coreográficos a un museo. Ya en 2011 había presentado, también en el museo neoyorquino, una parte de Fase: Four Movements to the Music of Steve Reich de 1982. Sin embargo con Work/Travail/Arbeid la artista imagina la coreografía exclusivamente como una exhibición. La exhibición cuenta con una duración de cinco días. La pieza original, de una hora de duración, ha sido expandida a un ciclo de nueve horas continuas. Cada hora se ofrece al público una nueva coreografía con una combinación de siete artistas diferentes. Anne Teresa De Keersmaeker: Work/Travail/Arbeid continúa en exhibición hasta el 2 de abril.

 

 

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Vantablack 2.0

Presentan nueva versión del color negro más oscuro de la historia. El nuevo material no es detectado por la luz y brinda una percepción de aplanamiento de la realidad. Originalmente absorbía el 99.96 por ciento de la luz natural. La versión mejorada del producto ya puede ser aplicada en aerosol, lo cual permitirá una mayor flexibilidad para su uso. Vantablack fue creado hace tres años por la firma británica Surrey NanoSystems con fines militares, sin embargo, el artista Anish Kapoor comenzó a experimentar con el nuevo color “super negro” desde 2014, poco después adquirió los derechos para el uso exclusivo del color para fines creativos, lo cual le ganó varias críticas por parte de la comunidad artística. Kapoor trabajó con la marca de relojes Manufacture Contemporaine du Temps para crear el Sequential One S110 Evo Vantablack que cuenta con la patente del color. Vantablack es «el material más oscuro en el universo después de un agujero negro» comentó Kapoor, «es como si uno pudiera desaparecer en él».

 

 

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Vantablack 2.0

Presentan nueva versión del color negro más oscuro de la historia. El nuevo material no es detectado por la luz y brinda una percepción de aplanamiento de la realidad. Originalmente absorbía el 99.96 por ciento de la luz natural. La versión mejorada del producto ya puede ser aplicada en aerosol, lo cual permitirá una mayor flexibilidad para su uso. Vantablack fue creado hace tres años por la firma británica Surrey NanoSystems con fines militares, sin embargo, el artista Anish Kapoor comenzó a experimentar con el nuevo color “super negro” desde 2014, poco después adquirió los derechos para el uso exclusivo del color para fines creativos, lo cual le ganó varias críticas por parte de la comunidad artística. Kapoor trabajó con la marca de relojes Manufacture Contemporaine du Temps para crear el Sequential One S110 Evo Vantablack que cuenta con la patente del color. Vantablack es «el material más oscuro en el universo después de un agujero negro» comentó Kapoor, «es como si uno pudiera desaparecer en él».

 

 

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Falleció Julian Stanczak

Murió el pintor Julian Stanczak. Nacido en Borovnica, Polonia, Stanczak fue obligado junto a su familia a trabajar en un campo de trabajo en Siberia durante la Segunda Guerra Mundial. Fue allí donde desarrolló una encefalitis que le causaría la pérdida del movimiento en su brazo derecho. Sin embargo, su salud nunca fue impedimento para desarrollar una técnica sofisticada plasmada en imágenes densas que lo posicionaría como uno de los pintores más destacados de su generación. El artista polaco fue una de las figuras centrales del Optical Art en los años sesentas. Su trabajo pertenece a colecciones en distintos museos del mundo como el MoMA y el Met de Nueva York; el Museum of Fine Arts de Boston y el Museo Rufino Tamayo de la Ciudad de México. Julian Stanczak falleció el 25 de marzo a los 88 años en su casa de Seven Hills, Ohio.

 

 

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Falleció Julian Stanczak

Murió el pintor Julian Stanczak. Nacido en Borovnica, Polonia, Stanczak fue obligado junto a su familia a trabajar en un campo de trabajo en Siberia durante la Segunda Guerra Mundial. Fue allí donde desarrolló una encefalitis que le causaría la pérdida del movimiento en su brazo derecho. Sin embargo, su salud nunca fue impedimento para desarrollar una técnica sofisticada plasmada en imágenes densas que lo posicionaría como uno de los pintores más destacados de su generación. El artista polaco fue una de las figuras centrales del Optical Art en los años sesentas. Su trabajo pertenece a colecciones en distintos museos del mundo como el MoMA y el Met de Nueva York; el Museum of Fine Arts de Boston y el Museo Rufino Tamayo de la Ciudad de México. Julian Stanczak falleció el 25 de marzo a los 88 años en su casa de Seven Hills, Ohio.

 

 

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La Tate de América

Herzog & De Meuron planean convertir una planta eléctrica abandonada, en Nueva York, en la Tate Modern de América. El plan consiste en tomar las instalaciones ubicadas en el canal Gowanus de Brooklyn y convertirlas en un complejo para las artes. La fundación compró el inmueble valuado en siete millones de dólares en 2012. El proyecto liderado por la organización sin fines de lucro Powerhouse Environmental Arts Foundation busca crear un nuevo espacio con talleres para artistas y diseñadores. Todos los costos de restauración serán absorbidos por la organización y se planea que estén listos para el 2020. La estación eléctrica de Brooklyn Rapid Transit fue construida en 1904 y evacuada en los años cincuenta, el edificio neoyorquino conocido como la baticueva ha sido ocupado durante años por artistas urbanos y okupas. La firma de arquitectos suizos construirán un anexo de seis pisos inspirado en la sala de calderas de la planta que fuera demolida en la Segunda Guerra Mundial. A finales de los años noventa los ganadores del Pritzker en 2001 convirtieron la Bankside Power Station de Londres en la Tate Modern.

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La Tate de América

Herzog & De Meuron planean convertir una planta eléctrica abandonada, en Nueva York, en la Tate Modern de América. El plan consiste en tomar las instalaciones ubicadas en el canal Gowanus de Brooklyn y convertirlas en un complejo para las artes. La fundación compró el inmueble valuado en siete millones de dólares en 2012. El proyecto liderado por la organización sin fines de lucro Powerhouse Environmental Arts Foundation busca crear un nuevo espacio con talleres para artistas y diseñadores. Todos los costos de restauración serán absorbidos por la organización y se planea que estén listos para el 2020. La estación eléctrica de Brooklyn Rapid Transit fue construida en 1904 y evacuada en los años cincuenta, el edificio neoyorquino conocido como la baticueva ha sido ocupado durante años por artistas urbanos y okupas. La firma de arquitectos suizos construirán un anexo de seis pisos inspirado en la sala de calderas de la planta que fuera demolida en la Segunda Guerra Mundial. A finales de los años noventa los ganadores del Pritzker en 2001 convirtieron la Bankside Power Station de Londres en la Tate Modern.

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Odisea del espacio

Una réplica inmersiva de 2001: Odisea del espacio, montada en 14th Factory, de Los Ángeles, busca documentar la experiencia artística del Simon Birch y sus colaboradores, durante tres semanas. Cada uno los artistas será filmado mientras trabaja (elaborando instalaciones, esculturas, pinturas y performances) dentro del dormitorio concebido por Kubrick para la icónica película de 1968. La habitación está decorada con los mismos ornamentos de la película de culto: pinturas renacentistas, esculturas y el característico piso iluminado que definió la estética de muchas películas de ciencia ficción y hasta de obras arquitectónicas contemporáneas. Durante el mes de marzo el público podrá visitar la réplica de el dormitorio-estudio para participar en la grabación del documental.

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Odisea del espacio

Una réplica inmersiva de 2001: Odisea del espacio, montada en 14th Factory, de Los Ángeles, busca documentar la experiencia artística del Simon Birch y sus colaboradores, durante tres semanas. Cada uno los artistas será filmado mientras trabaja (elaborando instalaciones, esculturas, pinturas y performances) dentro del dormitorio concebido por Kubrick para la icónica película de 1968. La habitación está decorada con los mismos ornamentos de la película de culto: pinturas renacentistas, esculturas y el característico piso iluminado que definió la estética de muchas películas de ciencia ficción y hasta de obras arquitectónicas contemporáneas. Durante el mes de marzo el público podrá visitar la réplica de el dormitorio-estudio para participar en la grabación del documental.

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Rave en la Tate

La Tate Modern está por abrir su primera exhibición “en vivo” con niebla, plantas y un rave. El artista japonés Fujiko Nakaya ha montado una instalación de sitio específicamente para la BMW Tate Live Exhibition: Ten Days Six Nights. London Fog, de Nakayaka, fue creado en colaboración con Ryuichi Sakamoto y Shiro Takatani. La instalación mezcla performance, cine, música y danza; mientras que el resto de la exhibición incluye trabajos de otros veinte artistas. Destaca la presentación de música rave creada por el artista italiano Lorenzo Senni, y una instalación inmersiva llena de plantas creadas por la artista dominicana Isabel Lewis; esta última albergará varios eventos incluyendo una danza kizomba, conferencias y experiencias gastronómicas. Las coreógrafas Ligia Lewis y Min Tanaka estarán presentando una serie de performances en las instalaciones del museo. Aunque la Tate Modern ya había presentado actos similares, esta será la primera vez que dedica un programa completo a proyectos en vivo. BMW Tate Live Exhibition: Ten Days Six Nights comenzó el 24 de marzo y termina este próximo 2 de abril.

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Rave en la Tate

La Tate Modern está por abrir su primera exhibición “en vivo” con niebla, plantas y un rave. El artista japonés Fujiko Nakaya ha montado una instalación de sitio específicamente para la BMW Tate Live Exhibition: Ten Days Six Nights. London Fog, de Nakayaka, fue creado en colaboración con Ryuichi Sakamoto y Shiro Takatani. La instalación mezcla performance, cine, música y danza; mientras que el resto de la exhibición incluye trabajos de otros veinte artistas. Destaca la presentación de música rave creada por el artista italiano Lorenzo Senni, y una instalación inmersiva llena de plantas creadas por la artista dominicana Isabel Lewis; esta última albergará varios eventos incluyendo una danza kizomba, conferencias y experiencias gastronómicas. Las coreógrafas Ligia Lewis y Min Tanaka estarán presentando una serie de performances en las instalaciones del museo. Aunque la Tate Modern ya había presentado actos similares, esta será la primera vez que dedica un programa completo a proyectos en vivo. BMW Tate Live Exhibition: Ten Days Six Nights comenzó el 24 de marzo y termina este próximo 2 de abril.

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Videojuego de Kafka

El desarrollador independiente Denis Galanin ha desarrollado un videojuego inspirado en la obra Franz Kafka. The Franz Kafka Videogame es un juego tipo puzzle (rompecabezas) que promete ser ambientado en una atmósfera absurda y surrealista, como el universo literario de Kafka. El jugador será retado intelectualmente a resolver complicados rompecabezas que hacen referencia a títulos como La metamorfosis y El proceso. Esta es la segunda adaptación que Galanin con una figura de la literatura; en 2012 publicó Hamlet or the last game without MMORPG features, shaders and product placement, juego inspirado en la obra de William Shakespeare. En 2015, después de ganar el concurso Level Up de Intel, lo cual le permitió a Denis conseguir los fondos necesarios para terminar el nuevo videojuego. The Franz Kafka Videogame será publicado por Daedalic Entertainment este próximo 6 de abril. El título estará disponible a través de la tienda en línea Steam para PC y Mac.

 

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Videojuego de Kafka

El desarrollador independiente Denis Galanin ha desarrollado un videojuego inspirado en la obra Franz Kafka. The Franz Kafka Videogame es un juego tipo puzzle (rompecabezas) que promete ser ambientado en una atmósfera absurda y surrealista, como el universo literario de Kafka. El jugador será retado intelectualmente a resolver complicados rompecabezas que hacen referencia a títulos como La metamorfosis y El proceso. Esta es la segunda adaptación que Galanin con una figura de la literatura; en 2012 publicó Hamlet or the last game without MMORPG features, shaders and product placement, juego inspirado en la obra de William Shakespeare. En 2015, después de ganar el concurso Level Up de Intel, lo cual le permitió a Denis conseguir los fondos necesarios para terminar el nuevo videojuego. The Franz Kafka Videogame será publicado por Daedalic Entertainment este próximo 6 de abril. El título estará disponible a través de la tienda en línea Steam para PC y Mac.

 

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Hyperpavillion en Venecia

Este año la Venice Biennale añadirá a sus 83 pabellones el nuevo HyperPavilion. La exhibición contará con tres mil metros cuadrados dedicados a artistas cuyo trabajo expone los cambios de humanidad a través de la tecnología. La curaduría del pabellón corrió a cargo de Philippe Riss-Schmidt y será instalado en tres bodegas en la sección norte del Arsenale. «Actualmente los artistas están construyendo e inventando composiciones imaginarias desde una frontera indefinida; un espacio para lo otro, la confrontación y la identidad mixta», declaró Schmidt en un comunicado. «Con esto en mente, Hyperpavillion no es sobre arte digital, sino de las artes en la era digital. Bienvenidos al e-renaissance». En Hyperpavillion participan Angelo Plessas, Andrea Crespo, Ed Fornieles, Julien Prévieux, Jon Rafman, Vincent Broquaire, Frederik de Wilde, Lab NT2, Lawrence Lek, Claire Malrieux, Théo Massoulier, Angelo Plessas y Paul Souviron. Dentro de la expo se podrán encontrar instalaciones de video, cine inmersivo y proyecciones de larga escala. Uno de los artistas ha prometido crear un “teatro holográfico”. La Bienal de Venecia se llevará a cabo del 13 de mayo al 26 de noviembre de 2017.

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Hyperpavillion en Venecia

Este año la Venice Biennale añadirá a sus 83 pabellones el nuevo HyperPavilion. La exhibición contará con tres mil metros cuadrados dedicados a artistas cuyo trabajo expone los cambios de humanidad a través de la tecnología. La curaduría del pabellón corrió a cargo de Philippe Riss-Schmidt y será instalado en tres bodegas en la sección norte del Arsenale. «Actualmente los artistas están construyendo e inventando composiciones imaginarias desde una frontera indefinida; un espacio para lo otro, la confrontación y la identidad mixta», declaró Schmidt en un comunicado. «Con esto en mente, Hyperpavillion no es sobre arte digital, sino de las artes en la era digital. Bienvenidos al e-renaissance». En Hyperpavillion participan Angelo Plessas, Andrea Crespo, Ed Fornieles, Julien Prévieux, Jon Rafman, Vincent Broquaire, Frederik de Wilde, Lab NT2, Lawrence Lek, Claire Malrieux, Théo Massoulier, Angelo Plessas y Paul Souviron. Dentro de la expo se podrán encontrar instalaciones de video, cine inmersivo y proyecciones de larga escala. Uno de los artistas ha prometido crear un “teatro holográfico”. La Bienal de Venecia se llevará a cabo del 13 de mayo al 26 de noviembre de 2017.

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America Chavez de Marvel

Marvel Comics ha anunciado la serie en solitario de America Chavez, la primera superheroína latina y lesbiana en la historia de la franquicia. El personaje saltó a la fama después de breves apariciones en Young Avengers y The Ultimates de la popular empresa estadounidense. Escrita por Gabby Rivera, el personaje de ficción busca darle visibilidad a una comunidad que tradicionalmente ha sido ignorada en el mundo del cómic. «Nunca pensé estar a la altura para escribir un cómic sobre superhéroes. Pero en el momento que llegó esta oportunidad, todo cobró sentido», declaró Rivera. «Siempre soñé con el día en que existieran superhéroes libres y divertidos que fueran como yo y mi familia: delgados, morenos, torpes y hermosos. Ahora puedo hacer ese sueño realidad». Rivera es una escritora reconocida por su novela debut Juliet Takes a Breath publicada en 2016 con gran aceptación por parte de la crítica. «Una gran parte de la personalidad que posee este libro es la libertad que tiene el personaje de America de ser completamente queer» destacó Kat Overland en el sitio Women Write About Comics. «Lo mismo sucede con su esencia Latina: su estilo, forma de hablar, todo, y la autora lo plasma de una manera muy natural». El primer número de America Chavez salió a la venta el 1 de marzo.

 

 

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America Chavez de Marvel

Marvel Comics ha anunciado la serie en solitario de America Chavez, la primera superheroína latina y lesbiana en la historia de la franquicia. El personaje saltó a la fama después de breves apariciones en Young Avengers y The Ultimates de la popular empresa estadounidense. Escrita por Gabby Rivera, el personaje de ficción busca darle visibilidad a una comunidad que tradicionalmente ha sido ignorada en el mundo del cómic. «Nunca pensé estar a la altura para escribir un cómic sobre superhéroes. Pero en el momento que llegó esta oportunidad, todo cobró sentido», declaró Rivera. «Siempre soñé con el día en que existieran superhéroes libres y divertidos que fueran como yo y mi familia: delgados, morenos, torpes y hermosos. Ahora puedo hacer ese sueño realidad». Rivera es una escritora reconocida por su novela debut Juliet Takes a Breath publicada en 2016 con gran aceptación por parte de la crítica. «Una gran parte de la personalidad que posee este libro es la libertad que tiene el personaje de America de ser completamente queer» destacó Kat Overland en el sitio Women Write About Comics. «Lo mismo sucede con su esencia Latina: su estilo, forma de hablar, todo, y la autora lo plasma de una manera muy natural». El primer número de America Chavez salió a la venta el 1 de marzo.

 

 

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Documental de Chris Burden

Magnolia Pictures ha lanzado el trailer de Burden, documental de la vida y obra del artista y performer norteamericano. Chris Burden saltó a la fama por sus peligrosos performances que ponían en riesgo su salud física como Shoot (1971) y Trans-fixed (1974). Su trabajo ha influido a toda una generación de artistas, pero la naturaleza provocativa de su arte, junto con su sentido de la privacidad, significa que la mayoría de la gente conoce al mito más que al hombre. Los directores Timothy Marrinan y Richard Dewey utilizan una innovadora mezcla de fotogramas y videos de sus performances en los setenta para formar el retrato de Burden. La biografía cuenta con comentarios de críticos que abarcan distintas décadas, así como las últimas imágenes del artista trabajando en su estudio de Topanga Canyon. Chris Burden, nacido en Los Ángeles en 1946, falleció en 2015, dieciocho meses después de haber sido diagnosticado con un melanoma. Burden estará disponible en cines de EEUU, Amazon Video y iTunes este próximo 5 de mayo.

 

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Documental de Chris Burden

Magnolia Pictures ha lanzado el trailer de Burden, documental de la vida y obra del artista y performer norteamericano. Chris Burden saltó a la fama por sus peligrosos performances que ponían en riesgo su salud física como Shoot (1971) y Trans-fixed (1974). Su trabajo ha influido a toda una generación de artistas, pero la naturaleza provocativa de su arte, junto con su sentido de la privacidad, significa que la mayoría de la gente conoce al mito más que al hombre. Los directores Timothy Marrinan y Richard Dewey utilizan una innovadora mezcla de fotogramas y videos de sus performances en los setenta para formar el retrato de Burden. La biografía cuenta con comentarios de críticos que abarcan distintas décadas, así como las últimas imágenes del artista trabajando en su estudio de Topanga Canyon. Chris Burden, nacido en Los Ángeles en 1946, falleció en 2015, dieciocho meses después de haber sido diagnosticado con un melanoma. Burden estará disponible en cines de EEUU, Amazon Video y iTunes este próximo 5 de mayo.

 

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Impounded de Dorothea Lange

Anchor Editions presenta las fotografías censuradas de Dorothea Lange de los campos de concentración para japoneses. Lange fue contratada por el gobierno de EEUU para realizar el archivo fotográfico de la evacuación y relocalización de japoneses americanos en 1942. Ella aceptó la comisión a pesar de en contra de la medida ya que creía que «un archivo sobre la evacuación será valiosa en un futuro». Los líderes militares que revisaron su trabajo se dieron cuenta que sus fotografías mostraban un punto de vista diferente al del gobierno. Las imágenes fueron censuradas y confiscadas para más tarde ser enviadas a los National Archives hasta 2006 donde fueron recuperadas. Todas ellas fueron recopiladas en el libro Impounded: Dorthea Lange and the Censored Images of Japanese American Internment. Las 119 fotografías están acompañadas de frases emitidas por los prisioneros en los campos. El 50% de las ganancias serán donadas a la American Civil Liberties Union, quienes llevaron el juicio contra el gobierno estadounidense por la incineración contra japoneses americanos.

 

 

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Impounded de Dorothea Lange

Anchor Editions presenta las fotografías censuradas de Dorothea Lange de los campos de concentración para japoneses. Lange fue contratada por el gobierno de EEUU para realizar el archivo fotográfico de la evacuación y relocalización de japoneses americanos en 1942. Ella aceptó la comisión a pesar de en contra de la medida ya que creía que «un archivo sobre la evacuación será valiosa en un futuro». Los líderes militares que revisaron su trabajo se dieron cuenta que sus fotografías mostraban un punto de vista diferente al del gobierno. Las imágenes fueron censuradas y confiscadas para más tarde ser enviadas a los National Archives hasta 2006 donde fueron recuperadas. Todas ellas fueron recopiladas en el libro Impounded: Dorthea Lange and the Censored Images of Japanese American Internment. Las 119 fotografías están acompañadas de frases emitidas por los prisioneros en los campos. El 50% de las ganancias serán donadas a la American Civil Liberties Union, quienes llevaron el juicio contra el gobierno estadounidense por la incineración contra japoneses americanos.

 

 

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Panda House de BIG

El estudio de Bjarke Ingels reveló el diseño de su nuevo hábitat para pandas para el Copenhagen Zoo. Panda House consiste en dos niveles, en forma de ying-yang. La primera sección está conectada con una rampa de circulación y el nivel alto. Los interiores están diseñados para brindar a los visitantes la experiencia de inmersión hacia la vida salvaje y la naturaleza. El símbolo del ying-yang fue creado con el levantamiento de la superficie para facilitar la vista hacia el hábitat de los osos blanquinegros. En la planta baja se encuentra un restaurante, construido entre los elefantes y los pandas. Los turistas pueden comer mientras observan a ambas especies en sus respectivos espacios. La vegetación y el paisaje de la construcción recrea el ambiente natural de los pandas con dos bosques con distintas características. Esto permite a los animales reacomodarse en diferentes espacios según la temporada y la temperatura. Panda House fue creado en colaboración por BIG, Schønherr Landscape Architects y MOE. Se planea que la construcción esté terminada en 2018, justo a tiempo para la llegada de dos pandas gigantes procedentes de Chengdú, China.

 

 

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Panda House de BIG

El estudio de Bjarke Ingels reveló el diseño de su nuevo hábitat para pandas para el Copenhagen Zoo. Panda House consiste en dos niveles, en forma de ying-yang. La primera sección está conectada con una rampa de circulación y el nivel alto. Los interiores están diseñados para brindar a los visitantes la experiencia de inmersión hacia la vida salvaje y la naturaleza. El símbolo del ying-yang fue creado con el levantamiento de la superficie para facilitar la vista hacia el hábitat de los osos blanquinegros. En la planta baja se encuentra un restaurante, construido entre los elefantes y los pandas. Los turistas pueden comer mientras observan a ambas especies en sus respectivos espacios. La vegetación y el paisaje de la construcción recrea el ambiente natural de los pandas con dos bosques con distintas características. Esto permite a los animales reacomodarse en diferentes espacios según la temporada y la temperatura. Panda House fue creado en colaboración por BIG, Schønherr Landscape Architects y MOE. Se planea que la construcción esté terminada en 2018, justo a tiempo para la llegada de dos pandas gigantes procedentes de Chengdú, China.

 

 

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Faye Toogood + Ikea

Faye Toogood ha colaborado con Ikea para la creación de Enfant Terrible. Para este proyecto, una instalación para el próximo Salone del Mobile de Milán. Situado en el espacio de una bodega, el bricolaje le brinda una nueva dimensión al mobiliario del gigante sueco. La estructura central fue creada con paneles mal colocados de un casa de juegos de Ikea (el manual de armado de la pieza fue desechado), a ésta la rodean pequeñas esculturas elaboradas con pedazos de otros muebles. El suelo estará cubierto por alfombras de sisal pintadas a mano con pigmentos, mostrando una interpretación estilizada que muestra la creación de esta pieza. Este año, Ikea ocupará gran parte de la feria de muebles con un espacio de 3500 metros cuadrados, el pabellón (uno de los más grandes de la feria) contará con música en vivo e instalaciones. Faye Toogood es una diseñadora británica que realiza sus piezas a mano; trabaja con pequeñas empresas y artesanos tradicionales, evitando fórmulas que permitan la experimentación en sus diseños, de ahí lo enigmático de su colaboración con Ikea. El Salone del Mobile se llevará a cabo del 4 al 9 de abril.

 

 

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Faye Toogood + Ikea

Faye Toogood ha colaborado con Ikea para la creación de Enfant Terrible. Para este proyecto, una instalación para el próximo Salone del Mobile de Milán. Situado en el espacio de una bodega, el bricolaje le brinda una nueva dimensión al mobiliario del gigante sueco. La estructura central fue creada con paneles mal colocados de un casa de juegos de Ikea (el manual de armado de la pieza fue desechado), a ésta la rodean pequeñas esculturas elaboradas con pedazos de otros muebles. El suelo estará cubierto por alfombras de sisal pintadas a mano con pigmentos, mostrando una interpretación estilizada que muestra la creación de esta pieza. Este año, Ikea ocupará gran parte de la feria de muebles con un espacio de 3500 metros cuadrados, el pabellón (uno de los más grandes de la feria) contará con música en vivo e instalaciones. Faye Toogood es una diseñadora británica que realiza sus piezas a mano; trabaja con pequeñas empresas y artesanos tradicionales, evitando fórmulas que permitan la experimentación en sus diseños, de ahí lo enigmático de su colaboración con Ikea. El Salone del Mobile se llevará a cabo del 4 al 9 de abril.

 

 

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Bienal en Nepal

Figuras del mundo de las artes viajarán a Nepal para la primera edición de la Kathmandu Triennale. La nueva trienal presenta una oportunidad para la comunidad artística de aportar a la reconstrucción de la ciudad en medio oriente. Katmandú aún se encuentra recuperándose del terremoto que en 2015 cobró la vida de nueve mil personas. Artistas internacionales como Cai Guo-Qiang, Francis Alÿs, Oscar Murillo y Ricardo Brey viajaron para estar presentes en el evento. «Aunque las bienales de occidente han perdido su razón de existir, bienales más pequeñas aún pueden aportar algo», dijo Francis Alÿs. «Recuerdo haber participado en las bienales de Perú y Cuba en los años noventa, estos eventos marcaron el despegue de mi carrera». Artistas de países vecinos como Bangladesh, China, India y Pakistán llegaron representando la solidaridad entre naciones. «La escena artística de Nepal y medio oriente aún es frágil, atrapada entre la noción de la tradición, la cual posee un gran peso, y la contemporaneidad», declaró el curador del evento Philippe Van Cauteren. Karan Shrestha y Kunjan Tamang abordan este problema con la modernización de las técnicas usadas por el arte tradicional de la región. La Kathmandu Triennale abrió el 24 de marzo y cierra el 9 de abril.

 

 

 

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Bienal en Nepal

Figuras del mundo de las artes viajarán a Nepal para la primera edición de la Kathmandu Triennale. La nueva trienal presenta una oportunidad para la comunidad artística de aportar a la reconstrucción de la ciudad en medio oriente. Katmandú aún se encuentra recuperándose del terremoto que en 2015 cobró la vida de nueve mil personas. Artistas internacionales como Cai Guo-Qiang, Francis Alÿs, Oscar Murillo y Ricardo Brey viajaron para estar presentes en el evento. «Aunque las bienales de occidente han perdido su razón de existir, bienales más pequeñas aún pueden aportar algo», dijo Francis Alÿs. «Recuerdo haber participado en las bienales de Perú y Cuba en los años noventa, estos eventos marcaron el despegue de mi carrera». Artistas de países vecinos como Bangladesh, China, India y Pakistán llegaron representando la solidaridad entre naciones. «La escena artística de Nepal y medio oriente aún es frágil, atrapada entre la noción de la tradición, la cual posee un gran peso, y la contemporaneidad», declaró el curador del evento Philippe Van Cauteren. Karan Shrestha y Kunjan Tamang abordan este problema con la modernización de las técnicas usadas por el arte tradicional de la región. La Kathmandu Triennale abrió el 24 de marzo y cierra el 9 de abril.

 

 

 

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Murakami en Rusia

Para su primera exposición en Rusia, Takashi Murakami recreará su fábrica de arte de Japón. El Moscow Garage of Contemporary Art albergará la muestra del artista japonés. El artista ha explorado el efecto del ataque nuclear a Hiroshima y el periodo de la posguerra dentro de la gráfica oriental, abarcando distintos aspectos de la cultura japonesa. La expo de Murakami se dividirá en cinco secciones: Geijutsu, la primera de ellas, se enfoca en la maestría del artista como pintor, mientras que Asobi & Kazari llenará las áreas de descanso del museo con ornamentos parásito, decorando el café, la librería y la fachada. Destaca la inclusión de Sutajito: una instalación que recrea la Kaikai Kiki art production and art management corporation. La réplica presenta una oportunidad inédita de conocer la forma de trabajo donde sus asistentes producen las obras del artista desde 1998. El estudio trabajará en las instalaciones del museo durante todo el transcurso de la exhibición. El trabajo de Murakami será colocado junto con grabados y pinturas del siglo dieciocho y diecinueve del Pushkin State Museum of Fine Arts y el State Museum of Oriental Art. Takashi Murakami Garage se exhibe del 29 de septiembre de 2017 al 4 de febrero de 2018.

 

 

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Murakami en Rusia

Para su primera exposición en Rusia, Takashi Murakami recreará su fábrica de arte de Japón. El Moscow Garage of Contemporary Art albergará la muestra del artista japonés. El artista ha explorado el efecto del ataque nuclear a Hiroshima y el periodo de la posguerra dentro de la gráfica oriental, abarcando distintos aspectos de la cultura japonesa. La expo de Murakami se dividirá en cinco secciones: Geijutsu, la primera de ellas, se enfoca en la maestría del artista como pintor, mientras que Asobi & Kazari llenará las áreas de descanso del museo con ornamentos parásito, decorando el café, la librería y la fachada. Destaca la inclusión de Sutajito: una instalación que recrea la Kaikai Kiki art production and art management corporation. La réplica presenta una oportunidad inédita de conocer la forma de trabajo donde sus asistentes producen las obras del artista desde 1998. El estudio trabajará en las instalaciones del museo durante todo el transcurso de la exhibición. El trabajo de Murakami será colocado junto con grabados y pinturas del siglo dieciocho y diecinueve del Pushkin State Museum of Fine Arts y el State Museum of Oriental Art. Takashi Murakami Garage se exhibe del 29 de septiembre de 2017 al 4 de febrero de 2018.

 

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Kawakubo en el Met

Rei Kawakubo, fundadora y diseñadora de la marca de ropa japonesa Comme des Garçons llega al Metropolitan Museum of Art. Esta es la segunda vez en la historia que un diseñador de modas cuenta con un show en solitario dentro del museo neoyorquino. El primero fue Yves Saint Laurent, en 1983. El show temático contará con 150 piezas par mujer de Kawakubo, que abarcan treinta años de carrera. Las galerías ilustran los experimentos revolucionarios de la diseñadora japonesa sobre el espacio entre las fronteras. Los objetos serán organizados en ocho expresiones estéticas contrapuestas: Fashion/Antifashion, Design/Not Design, Model/Multiple, Then/Now, High/Low, Self/Other, Object/Subject y Clothes/Not Clothes. Kawakubo rompe los muros imaginarios de estos dualismos exponiendo su arbitrariedad artificial. Rei Kawakubo/Comme des Garçons: Art of the In-Between se exhibe del 4 de mayo al 4 de septiembre.

 

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Kawakubo en el Met

Rei Kawakubo, fundadora y diseñadora de la marca de ropa japonesa Comme des Garçons llega al Metropolitan Museum of Art. Esta es la segunda vez en la historia que un diseñador de modas cuenta con un show en solitario dentro del museo neoyorquino. El primero fue Yves Saint Laurent, en 1983. El show temático contará con 150 piezas par mujer de Kawakubo, que abarcan treinta años de carrera. Las galerías ilustran los experimentos revolucionarios de la diseñadora japonesa sobre el espacio entre las fronteras. Los objetos serán organizados en ocho expresiones estéticas contrapuestas: Fashion/Antifashion, Design/Not Design, Model/Multiple, Then/Now, High/Low, Self/Other, Object/Subject y Clothes/Not Clothes. Kawakubo rompe los muros imaginarios de estos dualismos exponiendo su arbitrariedad artificial. Rei Kawakubo/Comme des Garçons: Art of the In-Between se exhibe del 4 de mayo al 4 de septiembre.

 

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Yves Klein en México

La obra de Yves Klein llegará al Museo Universitario de Arte Contemporáneo. Excéntrico y radical, el artista francés, que murió a los 34 años en 1962, es considerado un precursor del arte contemporáneo. Alrededor de setenta piezas, complementadas con un centenar de fotografías y documentos, llegarán a México después de hacer una escala en Buenos Aires, esta es la primera gran muestra del artista en Latinoamérica. Pionero del performance, su trabajo inspiró el arte minimalista, el arte pop, el body art, el performance y el arte acción. Dentro de su obra resalta la creación del International Klein Blue, color con el que realizaría toda su obra, produciendo mil 500 piezas en apenas siete años. Una de las acciones más controvertidas de Klein son las que realizó con cuerpos de mujeres y hombres cubiertos de pintura; con la utilización de cuerpos vivos a modo de pincel, el artista lograba una distancia entre él mismo y la obra. Yves Klein también fue un destacado judoka. Yves Klein. Retrospectiva se presentará del 26 de agosto de 2017 al 18 de enero de 2018.

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La obra de Yves Klein llegará al Museo Universitario de Arte Contemporáneo. Excéntrico y radical, el artista francés, que murió a los 34 años en 1962, es considerado un precursor del arte contemporáneo. Alrededor de setenta piezas, complementadas con un centenar de fotografías y documentos, llegarán a México después de hacer una escala en Buenos Aires, esta es la primera gran muestra del artista en Latinoamérica. Pionero del performance, su trabajo inspiró el arte minimalista, el arte pop, el body art, el performance y el arte acción. Dentro de su obra resalta la creación del International Klein Blue, color con el que realizaría toda su obra, produciendo mil 500 piezas en apenas siete años. Una de las acciones más controvertidas de Klein son las que realizó con cuerpos de mujeres y hombres cubiertos de pintura; con la utilización de cuerpos vivos a modo de pincel, el artista lograba una distancia entre él mismo y la obra. Yves Klein también fue un destacado judoka. Yves Klein. Retrospectiva se presentará del 26 de agosto de 2017 al 18 de enero de 2018.

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PHotoEspaña 2017

PHotoEspaña prepara la celebración de su veinte aniversario brindando un panorama actual de la fotografía internacional. Para esto, el evento contará con la participación de otras ciudades españolas fuera de Madrid, incluyendo Valencia, Bilbao y Palma de Mallorca, e instituciones internacionales con sede en París, Chicago, Berlín, Dublín y Melbourne. Creado en 1998, por iniciativa de Photogalería de La Fábrica, contó en su primera edición con la presencia de 250 fotógrafos españoles e internacionales con más de cuatro mil fotografías en 72 exposiciones. El evento se estructura en la Sección Oficial, Festival Off y Descubrimientos. «PHotoEspaña número veinte no se plantea como una retrospectiva, sino como una fiesta de la fotografía» declaró Alberto Anaut, presidente del proyecto, quien espera una cifra récord de asistencia. «El año pasado fueron 953,000 personas, pero llegar al millón me da pánico. Es una cifra tan redonda que estás obligado a superarla en la edición siguiente. El Festival Internacional de la Fotografía y las Artes Visuales se llevará a cabo del 31 de mayo al 27 de agosto.

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PHotoEspaña prepara la celebración de su veinte aniversario brindando un panorama actual de la fotografía internacional. Para esto, el evento contará con la participación de otras ciudades españolas fuera de Madrid, incluyendo Valencia, Bilbao y Palma de Mallorca, e instituciones internacionales con sede en París, Chicago, Berlín, Dublín y Melbourne. Creado en 1998, por iniciativa de Photogalería de La Fábrica, contó en su primera edición con la presencia de 250 fotógrafos españoles e internacionales con más de cuatro mil fotografías en 72 exposiciones. El evento se estructura en la Sección Oficial, Festival Off y Descubrimientos. «PHotoEspaña número veinte no se plantea como una retrospectiva, sino como una fiesta de la fotografía» declaró Alberto Anaut, presidente del proyecto, quien espera una cifra récord de asistencia. «El año pasado fueron 953,000 personas, pero llegar al millón me da pánico. Es una cifra tan redonda que estás obligado a superarla en la edición siguiente. El Festival Internacional de la Fotografía y las Artes Visuales se llevará a cabo del 31 de mayo al 27 de agosto.

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Fotos inéditas de Mekas

El cineasta Jonas Mekas presentará fotografías inéditas de su tiempo como refugiado durante la Segunda Guerra Mundial en Documenta 14. Las imágenes del artista lituano-americano captan prisioneros de Alemania, y es un reflejo actual de la crisis de refugiados en Europa. La exhibición planea presentar treinta fotos a blanco y negro capturadas entre 1945 y 1948 en los suburbios de Kassel. El escenario muestra los cuarteles de refugiados con personas buscando retomar su vida en el periodo de la posguerra. Mekas tuvo que huir a Viena después de que Alemania ocupara Lituania en 1944. «Esta exhibición se centra en la situación actual de refugiados», comentó el artista de 94 años, «así que mis fotografías están conectadas directamente con ese problema, aquello de lo que pasa en Europa y no hablamos de ello en EEUU». La exhibición se complementa con la proyección de su obra Lost, Lost, Lost de 1976 que documenta su vida como inmigrante.

 

 

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Fotos inéditas de Mekas

El cineasta Jonas Mekas presentará fotografías inéditas de su tiempo como refugiado durante la Segunda Guerra Mundial en Documenta 14. Las imágenes del artista lituano-americano captan prisioneros de Alemania, y es un reflejo actual de la crisis de refugiados en Europa. La exhibición planea presentar treinta fotos a blanco y negro capturadas entre 1945 y 1948 en los suburbios de Kassel. El escenario muestra los cuarteles de refugiados con personas buscando retomar su vida en el periodo de la posguerra. Mekas tuvo que huir a Viena después de que Alemania ocupara Lituania en 1944. «Esta exhibición se centra en la situación actual de refugiados», comentó el artista de 94 años, «así que mis fotografías están conectadas directamente con ese problema, aquello de lo que pasa en Europa y no hablamos de ello en EEUU». La exhibición se complementa con la proyección de su obra Lost, Lost, Lost de 1976 que documenta su vida como inmigrante.

 

 

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El dulce gigante de Gray

Matthew Gray erige un escultura monumental de azúcar de manera ilegal en una bodega quemada de Baltimore. El obelisco de colores cuenta con una altura de tres metros y fue hecho con la receta de una barra de dulce. Para su creación, el artista Matthew Gray necesitó tres mil kilos de azúcar, mil cien kilos de jarabe de trigo y ciento veinte litros de agua. El artista no cuenta con ningún permiso para instalar la obra en esa zona. La yuxtaposición de la alegre barra gigante y sus alrededores resulta incómoda, sugiriendo la explotación de un barrio pobre por su valor polémico. Para el artista, esto solo forma parte de sus expectativas de retar al espectador. «El dulce es una trampa, porque busca atraerte a él, llevándote en realidad a un lugar peligroso». El sitio fue abandonado por sus dueños en el año 2001, para más tarde, en 2014, ser consumido por un incendio. Declarado como un sitio inseguro por las autoridades, la demolición de la bodega ya ha sido programada, y se le ha pedido a sus habitantes mantenerse alejados. Por ahora, el desolado edificio es hogar de la dulce obra de guerrilla God Bless the Child. «Las abejas ya han comenzado a reunirse a sus alrededores. Los insectos se alimentan de ella. La lluvia ha comenzado a deformarla», declaró Gray sobre su obra biodegradable, notando lo inevitable. «La construí para que fuera destruida». God Bless the Child continuará en exhibición en el este de Baltimore hasta que sea retirada por las autoridades o sea destruida por su entorno.

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El dulce gigante de Gray

Matthew Gray erige un escultura monumental de azúcar de manera ilegal en una bodega quemada de Baltimore. El obelisco de colores cuenta con una altura de tres metros y fue hecho con la receta de una barra de dulce. Para su creación, el artista Matthew Gray necesitó tres mil kilos de azúcar, mil cien kilos de jarabe de trigo y ciento veinte litros de agua. El artista no cuenta con ningún permiso para instalar la obra en esa zona. La yuxtaposición de la alegre barra gigante y sus alrededores resulta incómoda, sugiriendo la explotación de un barrio pobre por su valor polémico. Para el artista, esto solo forma parte de sus expectativas de retar al espectador. «El dulce es una trampa, porque busca atraerte a él, llevándote en realidad a un lugar peligroso». El sitio fue abandonado por sus dueños en el año 2001, para más tarde, en 2014, ser consumido por un incendio. Declarado como un sitio inseguro por las autoridades, la demolición de la bodega ya ha sido programada, y se le ha pedido a sus habitantes mantenerse alejados. Por ahora, el desolado edificio es hogar de la dulce obra de guerrilla God Bless the Child. «Las abejas ya han comenzado a reunirse a sus alrededores. Los insectos se alimentan de ella. La lluvia ha comenzado a deformarla», declaró Gray sobre su obra biodegradable, notando lo inevitable. «La construí para que fuera destruida». God Bless the Child continuará en exhibición en el este de Baltimore hasta que sea retirada por las autoridades o sea destruida por su entorno.

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Brecha de género en museos

Estudio demuestra que todavía existe una brecha de género en los puestos directivos de museos en EEUU. Las mujeres que dirigen instituciones artísticas ocupan menos trabajos y ganan menos que sus contrapartes masculinas. El Gender Gap Report 2017, publicado el 22 de marzo por la Association of Art Museum Directors, encontró que la participación equitativa para directoras de museo ha mejorado, sin embargo la brecha continúa. La AAND es una asociación con 100 años de edad que cuenta con 242 miembros en EEUU, Canadá y México. El estudio incluye directores de seis tipos de museos: Enciclopédicos, universitarios, contemporáneos, culturales específicos, artista único y medio único. De acuerdo al estudio, 100 de 210 de las instituciones encuestadas son dirigidas por mujeres. Cada una de ellas recibe en promedio 73 centavos por cada dólar ganado por directores hombres. La pregunta es inevitable: ¿un estudio similar en México, qué datos arrojaría?

 

 

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Brecha de género en museos

Estudio demuestra que todavía existe una brecha de género en los puestos directivos de museos en EEUU. Las mujeres que dirigen instituciones artísticas ocupan menos trabajos y ganan menos que sus contrapartes masculinas. El Gender Gap Report 2017, publicado el 22 de marzo por la Association of Art Museum Directors, encontró que la participación equitativa para directoras de museo ha mejorado, sin embargo la brecha continúa. La AAND es una asociación con 100 años de edad que cuenta con 242 miembros en EEUU, Canadá y México. El estudio incluye directores de seis tipos de museos: Enciclopédicos, universitarios, contemporáneos, culturales específicos, artista único y medio único. De acuerdo al estudio, 100 de 210 de las instituciones encuestadas son dirigidas por mujeres. Cada una de ellas recibe en promedio 73 centavos por cada dólar ganado por directores hombres. La pregunta es inevitable: ¿un estudio similar en México, qué datos arrojaría?

 

 

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Apoyo al arte chicano

La Mike Kelley Foundation for the Arts apoyará a artistas chicanos que expanden la mirada mexicana de la actualidad angelina. Exposiciones sobre el muralismo chicano en EEUU y activistas mexicanos serán apoyados con cuarenta mil y cincuenta mil dólares respectivamente. La organización se dedica a apoyar organizaciones sin fines de lucro de Los Ángeles. Este es el segundo grupo de beneficiarios que la fundación ha seleccionado. Los apoyos, con una suma total de 319,000 dólares, serán utilizados para financiar distintas exhibiciones y eventos. Charles Gaines, Gene Moreno, Frances Stark, Astria Suparak y Jan Tumlir trabajaron en conjunto para seleccionar los proyectos ganadores. L.A. History: A Mexican Perspective, una exhibición sobre murales chicanos en Los Ángeles, se llevará a cabo en La Plaza de Cultura y Artes. Regeneración: Three Generations of Revolutionary Ideology, una exhibición sobre artivistas en EEUU y México se llevará a cabo en el Vincent Price Art Museum. Sin duda una buena noticia después de que la semana pasada el presidente Donald Trump anunciara sus planes de retirar el apoyo a las artes en EEUU.

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Apoyo al arte chicano

La Mike Kelley Foundation for the Arts apoyará a artistas chicanos que expanden la mirada mexicana de la actualidad angelina. Exposiciones sobre el muralismo chicano en EEUU y activistas mexicanos serán apoyados con cuarenta mil y cincuenta mil dólares respectivamente. La organización se dedica a apoyar organizaciones sin fines de lucro de Los Ángeles. Este es el segundo grupo de beneficiarios que la fundación ha seleccionado. Los apoyos, con una suma total de 319,000 dólares, serán utilizados para financiar distintas exhibiciones y eventos. Charles Gaines, Gene Moreno, Frances Stark, Astria Suparak y Jan Tumlir trabajaron en conjunto para seleccionar los proyectos ganadores. L.A. History: A Mexican Perspective, una exhibición sobre murales chicanos en Los Ángeles, se llevará a cabo en La Plaza de Cultura y Artes. Regeneración: Three Generations of Revolutionary Ideology, una exhibición sobre artivistas en EEUU y México se llevará a cabo en el Vincent Price Art Museum. Sin duda una buena noticia después de que la semana pasada el presidente Donald Trump anunciara sus planes de retirar el apoyo a las artes en EEUU.

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Reeditan a Marcel Schwob

Alianza Editorial reedita Vidas imaginarias de Marcel Schwob. El escritor francés narra de manera biográfica evocaciones de personajes históricos como Uccello, Pocahontas, el capitán Kid y Eróstrato, entre otros. El compendio de relatos fue publicado originalmente en 1896 fue una gran influencia para la literatura iberoamericana. Escritores mexicanos como Alfonso Reyes, quien publicó Retratos reales e imaginarios en 1920, y Julio Torri heredaron su brevedad y capacidad de síntesis. Quince años después, Jorge Luis Borges retomaría su escritura en su colección de historias cortas Historia Universal de la Infamia, publicadas originalmente entre 1933 y 1934 en el Diario Crítica. «Pero lean también a Jules Renard y a Marcel Schwob, sobre todo lean a Marcel Schwob y de éste pasen a Alfonso Reyes y de ahí a Borges» escribió Roberto Bolaño en uno de sus Consejos sobre el arte de escribir cuentos. Vidas imaginarias fue publicado el 9 de febrero de 2017. La traducción fue hecha por Antonio Álvarez de la Rocha.

 

 

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Reeditan a Marcel Schwob

Alianza Editorial reedita Vidas imaginarias de Marcel Schwob. El escritor francés narra de manera biográfica evocaciones de personajes históricos como Uccello, Pocahontas, el capitán Kid y Eróstrato, entre otros. El compendio de relatos fue publicado originalmente en 1896 fue una gran influencia para la literatura iberoamericana. Escritores mexicanos como Alfonso Reyes, quien publicó Retratos reales e imaginarios en 1920, y Julio Torri heredaron su brevedad y capacidad de síntesis. Quince años después, Jorge Luis Borges retomaría su escritura en su colección de historias cortas Historia Universal de la Infamia, publicadas originalmente entre 1933 y 1934 en el Diario Crítica. «Pero lean también a Jules Renard y a Marcel Schwob, sobre todo lean a Marcel Schwob y de éste pasen a Alfonso Reyes y de ahí a Borges» escribió Roberto Bolaño en uno de sus Consejos sobre el arte de escribir cuentos. Vidas imaginarias fue publicado el 9 de febrero de 2017. La traducción fue hecha por Antonio Álvarez de la Rocha.

 

 

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Gran retrospectiva de Mondrian

El Gemeentemuseum en La Haya, Holanda prepara la exhibición más grande de Piet Mondrian. La expo forma parte del programa de un año que celebra el centenario del movimiento artístico De Stijl. Trescientas pinturas del artista holandés serán exhibidas junto con objetos personales que incluyen su colección de jazz, influencia mayor de su estilo artístico. «Mondrian ha sido visto por mucho tiempo a través de la mirada del modernismo o incluso el Bauhaus, llevando a varios malentendidos. Pero si se observa el contexto en el que Mondrian comenzó a trabajar, y el papel del De Stijl, cuyas raíces estaban en lo artesanal, los trabajos tienen otra mirada», declaró el director del Gemeentemuseum Benno Tempel. «Esta exhibición mostrará a las nuevas generaciones, sin las restricciones del dogma modernista, una mirada más amplia del artista». La museografía divide las obras de acuerdo a la ciudad en la que Mondrian vivió al momento de crearlas. El museo diseñó una réplica de su estudio en París y mostrará modelos de sus estudios en Amsterdam y Nueva York. El programa Mondrian to Dutch Design contará con actividades durante todo el año en Amsterdam y Utrecht, ciudad natal de Mondrian. The Discovery of Mondrian – Amsterdam | Paris | London | New York abrirá sus puertas el 9 de junio.

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Gran retrospectiva de Mondrian

El Gemeentemuseum en La Haya, Holanda prepara la exhibición más grande de Piet Mondrian. La expo forma parte del programa de un año que celebra el centenario del movimiento artístico De Stijl. Trescientas pinturas del artista holandés serán exhibidas junto con objetos personales que incluyen su colección de jazz, influencia mayor de su estilo artístico. «Mondrian ha sido visto por mucho tiempo a través de la mirada del modernismo o incluso el Bauhaus, llevando a varios malentendidos. Pero si se observa el contexto en el que Mondrian comenzó a trabajar, y el papel del De Stijl, cuyas raíces estaban en lo artesanal, los trabajos tienen otra mirada», declaró el director del Gemeentemuseum Benno Tempel. «Esta exhibición mostrará a las nuevas generaciones, sin las restricciones del dogma modernista, una mirada más amplia del artista». La museografía divide las obras de acuerdo a la ciudad en la que Mondrian vivió al momento de crearlas. El museo diseñó una réplica de su estudio en París y mostrará modelos de sus estudios en Amsterdam y Nueva York. El programa Mondrian to Dutch Design contará con actividades durante todo el año en Amsterdam y Utrecht, ciudad natal de Mondrian. The Discovery of Mondrian – Amsterdam | Paris | London | New York abrirá sus puertas el 9 de junio.

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Falleció Trisha Brown

Murió la bailarina, coreógrafa, dibujante y teórica de la danza Trisha Brown. Nacida en 1936, Brown inició su carrera en su natal Aberdeen para después mudarse a Oakland donde estudió danza en el Mills College. La artista estadounidense fue una de las fundadoras del movimiento de danza posmoderno. Durante cuarenta años de carrera recibió varios honores: En 2004 fue nombrada Commandeur dans L’Ordre des Arts et Lettres y en 2011 le fue entregado el Bessie de la New York Dance and Performance por trayectoria de vida. A lo largo de su carrera incorporó una variedad de estilos que incluía el ballet, la acrobacia y el modern jazz a las técnicas de Graham y Limón, recibiendo además cursos de música y composición de Louis Horst. Sus series de dibujo coreográfico se recuerdan como lecciones sobre la expansión de las disciplinas. Durante la última década, su ímpetu creativo se vio reducido debido a los efectos de la demencia vascular que padecía. Su última participación activa dentro de la danza fue realizada en 2011. Trisha Brown falleció el pasado sábado a los 80 años en San Antonio.

 

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Falleció Trisha Brown

Murió la bailarina, coreógrafa, dibujante y teórica de la danza Trisha Brown. Nacida en 1936, Brown inició su carrera en su natal Aberdeen para después mudarse a Oakland donde estudió danza en el Mills College. La artista estadounidense fue una de las fundadoras del movimiento de danza posmoderno. Durante cuarenta años de carrera recibió varios honores: En 2004 fue nombrada Commandeur dans L’Ordre des Arts et Lettres y en 2011 le fue entregado el Bessie de la New York Dance and Performance por trayectoria de vida. A lo largo de su carrera incorporó una variedad de estilos que incluía el ballet, la acrobacia y el modern jazz a las técnicas de Graham y Limón, recibiendo además cursos de música y composición de Louis Horst. Sus series de dibujo coreográfico se recuerdan como lecciones sobre la expansión de las disciplinas. Durante la última década, su ímpetu creativo se vio reducido debido a los efectos de la demencia vascular que padecía. Su última participación activa dentro de la danza fue realizada en 2011. Trisha Brown falleció el pasado sábado a los 80 años en San Antonio.

 

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Nuevas obras en Trafalgar Square

Michael Rakowitz y Heather Philipson han sido nombrados ganadores para crear las dos siguientes comisiones esculturales de la Trafalgar Square. Rakowitz planea colocar una réplica de Lamassu, estatua destruida por Isis en 2015 ubicada en la Nergal Gate de Irak. Por su parte, Philipson presentará The End, escultura hecha con crema batida y una cereza, que será monitoreado por un dron. Los ganadores fueron seleccionados de una lista que incluía al mexicano Damián Ortega, Huma Bhabha de EEUU, y Raqs Media Collective de la India. Las nuevas obras de arte reemplazarán el pulgar arriba gigante del ilustrador David Shrigley colocada en 2016. El cuarto plinto de la plaza ubicado a las afueras de la National Gallery ha sido comisionado a artistas contemporáneos desde 1998. The Invisible Enemy y The End serán colocados en el plinto durante 2018 y 2020.

 

 

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Nuevas obras en Trafalgar Square

Michael Rakowitz y Heather Philipson han sido nombrados ganadores para crear las dos siguientes comisiones esculturales de la Trafalgar Square. Rakowitz planea colocar una réplica de Lamassu, estatua destruida por Isis en 2015 ubicada en la Nergal Gate de Irak. Por su parte, Philipson presentará The End, escultura hecha con crema batida y una cereza, que será monitoreado por un dron. Los ganadores fueron seleccionados de una lista que incluía al mexicano Damián Ortega, Huma Bhabha de EEUU, y Raqs Media Collective de la India. Las nuevas obras de arte reemplazarán el pulgar arriba gigante del ilustrador David Shrigley colocada en 2016. El cuarto plinto de la plaza ubicado a las afueras de la National Gallery ha sido comisionado a artistas contemporáneos desde 1998. The Invisible Enemy y The End serán colocados en el plinto durante 2018 y 2020.

 

 

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Björk en México

La exposición digital Björk Digital llegará al Foto Museo Cuatro Caminos. El trabajo se centra en el último disco de la artista Vulnicura, donde distintos temas han sido programados por distintos artistas visuales para crear experiencias de realidad aumentada. El proyecto que inició en 2015 presentándose en el MoMA, ha evolucionado para crear una nueva experiencia que ya ha visitado Tokio, Sydney, Montreal y Londres, entre otras ciudades. «Mi público más grande se encuentra en México así que estoy muy emocionada de poder ir y que vivan conmigo la experiencia de la exhibición» comentó la artista durante una videoconferencia de prensa realizada este viernes en las instalaciones del museo. La exposición incluye una retrospectiva de toda la filmografía de la cantante islandesa con acompañamiento visual y sonido 5.1. Sus videos han sido dirigidos por artistas como Michael Gondry, Spike Jonze, Alexander McQueen entre otros. Las actividades en el museo redondean la vista de la cantante experimental a México donde se presentará en el Auditorio Nacional y el Festival Ceremonia. Björk Digital estará en exhibición del 21 de marzo al 7 de mayo. El acceso tiene un costo de 660 pesos y 790 pesos para la experiencia nocturna.

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Björk en México

La exposición digital Björk Digital llegará al Foto Museo Cuatro Caminos. El trabajo se centra en el último disco de la artista Vulnicura, donde distintos temas han sido programados por distintos artistas visuales para crear experiencias de realidad aumentada. El proyecto que inició en 2015 presentándose en el MoMA, ha evolucionado para crear una nueva experiencia que ya ha visitado Tokio, Sydney, Montreal y Londres, entre otras ciudades. «Mi público más grande se encuentra en México así que estoy muy emocionada de poder ir y que vivan conmigo la experiencia de la exhibición» comentó la artista durante una videoconferencia de prensa realizada este viernes en las instalaciones del museo. La exposición incluye una retrospectiva de toda la filmografía de la cantante islandesa con acompañamiento visual y sonido 5.1. Sus videos han sido dirigidos por artistas como Michael Gondry, Spike Jonze, Alexander McQueen entre otros. Las actividades en el museo redondean la vista de la cantante experimental a México donde se presentará en el Auditorio Nacional y el Festival Ceremonia. Björk Digital estará en exhibición del 21 de marzo al 7 de mayo. El acceso tiene un costo de 660 pesos y 790 pesos para la experiencia nocturna.

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POLÉMICA EN LA WHITNEY

Más de una docena de artistas y escritores han hecho un llamado al Whitney Museum of American Art para retirar una pintura de Dana Schutz Open Casket: la obra está basada en la fotografía histórica de 1955 del funeral del adolescente afroamericano Emmett Till, brutalmente asesinado en Mississippi supuestamente por chiflarle a una mujer blanca; la madre de Till insistió en dejar el ataúd abierto. «Que la gente vea lo que yo he visto» declaró. La fotografía del cadáver desfigurado fue publicada en la revista Jet y se convirtió en un catalizador para el movimiento de derechos humanos. En una carta abierta dirigida a los curadores y staff de la institución los manifestantes exhortaron que la obra debería de ser destruida. Una pequeña manifestación se llevó a cabo en la inauguración de la bienal el pasado viernes 17 de marzo. Un grupo de cinco o seis personas se pararon frente a la pintura durante varias horas, bloqueando la vista a los visitantes hasta el cierre del museo.

 

 

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KOOLHAAS EN DUBAI

Concrete, el centro de artes diseñado por Rem Koolhaas en Dubai, fue inaugurado con una exposición de arte sirio. Syria: Into the Light exhibe una colección histórica de retratos sirios que rescata su cultura en tiempos de guerra. La curaduría fue hecha por Rasga Salti en colaboración con la Atassi Foundation, quienes proporcionaron la mayoría de las piezas artísticas. El recorrido comienza con retratos sobre tumbas que datan de los inicios de la civilización en el área y termina con trabajos de artistas como Hiba Al Ansary y Ahmad Moualla quienes incorporan iconografía de ISIS. Este es el primer proyecto del ganador del Pritzker en el año 2000 concretado en la lujosa ciudad de los Emiratos Árabes. «Me expondría al borde de lo ridículo diciendo que mi intensa participación en el Medio Oeste culmina con este simple edificio, tan simple a la vista», relató con ironía Koolhaas en la inauguración del centro. El edificio contrasta con el espectáculo de de construcciones lujosas de la ciudad optando por un diseño enfocado más funcionalista. El arquitecto holandés buscó preservar la fachada con el contexto de la zona, creando una aldea cultural con base a lo que anteriormente era una fábrica de mármol.

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KOOLHAAS EN DUBAI

Concrete, el centro de artes diseñado por Rem Koolhaas en Dubai, fue inaugurado con una exposición de arte sirio. Syria: Into the Light exhibe una colección histórica de retratos sirios que rescata su cultura en tiempos de guerra. La curaduría fue hecha por Rasga Salti en colaboración con la Atassi Foundation, quienes proporcionaron la mayoría de las piezas artísticas. El recorrido comienza con retratos sobre tumbas que datan de los inicios de la civilización en el área y termina con trabajos de artistas como Hiba Al Ansary y Ahmad Moualla quienes incorporan iconografía de ISIS. Este es el primer proyecto del ganador del Pritzker en el año 2000 concretado en la lujosa ciudad de los Emiratos Árabes. «Me expondría al borde de lo ridículo diciendo que mi intensa participación en el Medio Oeste culmina con este simple edificio, tan simple a la vista», relató con ironía Koolhaas en la inauguración del centro. El edificio contrasta con el espectáculo de de construcciones lujosas de la ciudad optando por un diseño enfocado más funcionalista. El arquitecto holandés buscó preservar la fachada con el contexto de la zona, creando una aldea cultural con base a lo que anteriormente era una fábrica de mármol.

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Falleció Derek Walcott

Murió el escritor Derek Walcott. Nacido en 1930, el poeta plasmó su itinerante vida y las complejidades de escribir sobre dos mundos al viajar de manera permanente entre Nueva York, Boston y su natal Santa Lucía. Walcott recibió el Nobel de Literatura en 1992 por su épica caribeña de 64 capítulos Omeros, un reconocimiento inédito para los escritores del Caribe. Su poesía capturó la belleza del caribe y realizó una dura crítica al colonialismo a través de metáforas. Entre sus obras destacan The Castaway (1965), The Gulf (1969) y Another Life (1973) una colección de cuatro mil líneas de poesía a las que definía como «la historia de la imaginación». Fue profesor de poesía en la Universidad de Essex de 2010 a 2013. Su última publicación The Poetry of Derek Walcott 1948-2013 recopiló seis décadas de trabajo. Walcott falleció a los 87 años en su casa en la isla de Santa Lucía.

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Falleció Derek Walcott

Murió el escritor Derek Walcott. Nacido en 1930, el poeta plasmó su itinerante vida y las complejidades de escribir sobre dos mundos al viajar de manera permanente entre Nueva York, Boston y su natal Santa Lucía. Walcott recibió el Nobel de Literatura en 1992 por su épica caribeña de 64 capítulos Omeros, un reconocimiento inédito para los escritores del Caribe. Su poesía capturó la belleza del caribe y realizó una dura crítica al colonialismo a través de metáforas. Entre sus obras destacan The Castaway (1965), The Gulf (1969) y Another Life (1973) una colección de cuatro mil líneas de poesía a las que definía como «la historia de la imaginación». Fue profesor de poesía en la Universidad de Essex de 2010 a 2013. Su última publicación The Poetry of Derek Walcott 1948-2013 recopiló seis décadas de trabajo. Walcott falleció a los 87 años en su casa en la isla de Santa Lucía.

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¡Toma eso, Adolfo!

El nuevo libro de Mark Fertig recopila portadas de comics sobre superhéroes americanos luchando en la Segunda Guerra Mundial. Take That, Adolf! presenta más de quinientas ilustraciones restauradas que incluyen al Capitán América, Batman, Superman y la Mujer Maravilla. El autor decidió conservar algunas marcas en el escaneo de las imágenes para mantener viva su esencia de producción masiva con sus defectos. Entre las imágenes Fertig brinda un breve contexto sobre cada publicación. Anécdotas sobre la industria son recopiladas en ensayo de cuarenta páginas que sirve como introducción a la era dorada del cómic. El proyecto se enfoca en creadores de origen judío como Stan Lee, Jack Kirby y Will Eisner. Los autores por medio de sus publicaciones presionaron al gobierno de EEUU para intervenir contra las acciones fascistas del régimen nazi. Take That, Adolf!: The Fighting Comic Books of the Second World War saldrá a la venta el 4 de abril.

 

 

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¡Toma eso, Adolfo!

El nuevo libro de Mark Fertig recopila portadas de comics sobre superhéroes americanos luchando en la Segunda Guerra Mundial. Take That, Adolf! presenta más de quinientas ilustraciones restauradas que incluyen al Capitán América, Batman, Superman y la Mujer Maravilla. El autor decidió conservar algunas marcas en el escaneo de las imágenes para mantener viva su esencia de producción masiva con sus defectos. Entre las imágenes Fertig brinda un breve contexto sobre cada publicación. Anécdotas sobre la industria son recopiladas en ensayo de cuarenta páginas que sirve como introducción a la era dorada del cómic. El proyecto se enfoca en creadores de origen judío como Stan Lee, Jack Kirby y Will Eisner. Los autores por medio de sus publicaciones presionaron al gobierno de EEUU para intervenir contra las acciones fascistas del régimen nazi. Take That, Adolf!: The Fighting Comic Books of the Second World War saldrá a la venta el 4 de abril.

 

 

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Expo de Dean Sameshima

Peres Projects de Berlín celebra la historia de la cultura gay con una expo de Dean Sameshima. El trabajo rinde tributo a la libertad sexual permitida en la capital alemana. Esta es la séptima colaboración que realiza el artista estadounidense con la galería. Al exponer una obra prácticamente autobiográfica, la ocasión está envuelta en una comisión académica y personal. Las pinturas giran en torno a la represión, persecución y su propio viaje para comprender su sexualidad. La exposición rinde tributo a aquellas personas que lucharon por los derechos de los homosexuales durante décadas. Sameshima invita a recordar al público berlinés, sin importar su género o preferencias sexuales, no tomar por garantizadas las libertades que hasta el día de hoy se permiten. Dean Sameshima, “647 (a) estará en exhibición hasta el 10 de abril.

 

 

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